La cuarta pared

Mudanza cinematográfica

2010-09-09T22:43:00.004-04:00

Seguidores de este blog!! nos mudamos a nuestra nueva dirección en wordpress.
Como siempre, seguiremos posteando cosas raras, nuevas, distintas sobre el cine actual y no tan actual. Nos vemos en nuestra nueva web

http://lacuartapare.wordpress.com/

Los Inmigrantes en Estados Unidos: Sin nombre

2010-05-22T22:12:00.008-04:00

1. Muy pocos debemos conocer lo que es la Mara Salvatrucha. Hasta hace muy poco creía que esta pandilla era originaria de El Salvador como su nombre lo indica. Sin embargo, esta pandilla tiene su nacimiento en Los Angeles al comienzo de los años ochentas. Su oscuro origen para muchos radica en la necesidad de protegerse de otras pandillas como las de mexicanos o las de los afro-americanos con una mayor tradición en los Estados Unidos.

Devueltos a su país de origen, las maras aprovecharon el momento para reclutar más jóvenes sin futuro, varios hijos de las guerras en centroamérica. La MS-13 , como también se le conoce, comenzó a expandirse por todas partes (Centroamérica, España, Estados Unidos, México, Canadá). Y por supuesto, en las fronteras.

2. Si buscas llegar a Estados Unidos, y no tienes visa, cómo llegas? De dónde llegas? La conquista del famoso "sueño americano" no es un camino pavimentado directo al cielo. Hace tiempo que la situación de los inmigrantes viene siendo presentado en el cine mostrando las muchas maneras de llegar a este país: en algunos casos como burrier (María, llena de gracia, 2004), en otros casos con ayuda de un coyote (El norte, 1984), en otros casos en balsa (Balseros,2002). Y cuándo ya estás acá? Eso también se muestra en la reciente película Entre nos, 2009): una madre colombiana debe enfrentarse sola con dos hijos a una ciudad desconocida, luego de que su marido la abandone.

Trailer de Entre nos

1+2=3

Qué pasa si juntas a las maras con una familia hondureña que trata de llegar hasta New Jersey y escapar de la pobreza? Pues tenemos Sin Nombre (2009). Dirigida por el Cary Fukunaga, Sin nombre no es una historia de amor, no es el realismo mágico latinoamericano, no es el sueño americano que se persigue per se. La película cuenta una historia sencilla en la que dos mundos se encuentran sin preguntarse nada. El marero Casper mata al jefe de su pandilla y huye en el tren que parte de la Bombilla en Tapachula (Chiapas, México), donde conocerá a la joven Sayra, y su padre y su hermano que salen de Honduras (de esas zonas devastadas por la guerra, el clima, la pobreza, y un largo etc.) buscando ingresar a Estados Unidos. No todos lograrán llegar y aquellos que lo hagan, como dice una adivina en la película, no lo harán "de la mano de Dios, sino de la del Diablo."

Producida por Gael García Bernal y Diego Luna, esta película poco o nada tiene que ver con los mágicos paisajes de, por ejemplo, Diarios de Motocicleta; mucho menos con la comedia-parodia que es Rudo y Cursi (donde irónicamente el único que consigue hacer cumplir los sueños de los pobres es el mafioso narcotraficante). Más cercana a esa gris realidad que recorre gran parte de los países latinoamericanos, Sin Nombre retrata con bastante realismo (y estoy seguro que es mucho peor) el triste destino de muchos jóvenes, y familias que buscan dejar atrás el pasado y el presente del fracaso de sus países por llegar a un lugar que nadie sabe con certeza cómo es.

Aunque a decir verdad, la Ley de Arizona SB 1070 empieza a mostrar cómo es.

Trailer Sin nombre

Foto al inicio (una mujer muestra el polo de su esposa muerto por una "limpieza social" en el barrio de La Esperanza) y de "marero" por Rodrigo Abd.

Buñuel: 110 años de ese discreto deseo

2010-05-10T20:28:00.037-04:00

El pasado 22 de Febrero se cumplieron 110 años del nacimiento de Luis Buñuel. Qué se podría decir de uno de los padres del cine que ya no se haya dicho antes? Muy pocas cosas en verdad. Es uno de los pocos directores cuyas películas tienen al menos tres nacionalidades: española, mexicana y francesa. Las copias de su película Viridiana fueron quemada en España por orden del dictador F. Franco y fue condenada por la Iglesia. Aparentemente a Buñuel no le gustaba Hitchcock y la única vez que se vieron solo hablaron de vino. Leyó con devoción la reseña que hiciera el crítico André Bazin sobre su película Los Olvidados (que por cierto es una de las mejores reseñas que he leído). Buñuel admiraba a Bazin pues reconoció que el crítico decía cosas sobre su cine de las que no era del todo consciente. El cine del aragonés, dijo Bazin, era ante todo un cine moralista que se encargaba en muchos casos (como en Los Olvidados) de mostrar la crueldad humana. Agregaría yo: y donde la ternura prácticamente no existe.

En la foto: Luis Buñuel junto a Alfred Hitchcock

Aquí, retomando la idea publicada en el libro Luis Buñuel:100 años, editado por el Instituto Cervantes al conmemorarse el centenario de su nacimiento, les dejo algunas fotos de sus películas, y de sus obsesiones con el ánimo de que se ud. también quiera asomarse a ese oscuro mundo de este aragonés.

Manos

Un chien andalou

El ángel exterminador

Mirando/Huecos

Un chien andalou

Bella de Día

El fantasma de la Libertad

El ángel exterminador

Bocas

La Edad de Oro

Piernas

La joven

Ensayo de un crimen

Los Olvidados

Bella de Día

El Fantasma de la libertad

Viridiana

Animales

Diario de una camarera

Los Olvidados

El ángel exterminador

Un chien andalou

Religión

Viridiana

Nazarín

LA √ía Láctea

Viridiana

Grandes Cenas

Viridiana

El Discreto Encanto de la Burguesía

Escribiendo Maine: Stephen King

2010-05-10T16:34:00.008-04:00

El estado de Maine, según leo tiene menos de millón y medio de habitantes. Cuando uno lee esto uno podría pensar que no es poco. Y sí, no lo es. Pero cuando uno sale a la calle por estos lares, uno se pregunta realmente ¿dónde está ese casi millón y medio de gentes? Maine es el estado más al norte de Estados Unidos. Sus ciudades se podrían resumir en una Portland (con 64 mil habitantes aproximadamente), y los demás son pueblos pequeños, algunos realmente pequeños, donde la población parece no existir. Rodeada de muchísima vegetación, de bosques y montañas, es un lugar ideal para veranear o para hacer deporte aventura. Y sin embargo, la mayoría del tiempo, Maine parece ser un estado fantasma.

Hace 63 años, imagino, Maine no debe haber sido mucho más distinto. Al menos no para el joven Stephen King. Nacido en Portland, King ha pasado mucho de su vida en este estado, en sus pequeños pueblos como Lewiston, Durham y Bangor donde tiene una de sus casas (la otra es en Florida donde estoy seguro que se va cuando el frío invernal arremece por estas zonas). Para un joven King, su pueblo, su estado sus habitantes, fueron la inspiración para muchas de sus historias. No es de extrañar que su comparsa, H. P. Lovecraft, escribiera sobre dioses monstruosos que habitan este mundo desde la zona sur de New England, a unas 3 horas al sur de Portland, en Providence. Y digo que no es de extrañar pues toda esta zona ha dado para la literatura a autores bastante peculiares como los ya mencionados, y solo para agregar unos cuantos más y nos quede el panorama más claro recordemos a Edward Gorey, Edgar Allan Poe, entre otros.

Congress St. , Portland, Maine. En la actualidad. Ah no, hace unos 100 años

Pero volvamos a King. En estos días y gracias a mi buen amigo Jordi, pude leer On writing, un libro sobre el arte de escribir de King publicado en el 2000. El escrito en cuestión tiene dos partes. La primera titulada C.V. que es una suerte de autobiografía que el autor narra de una manera sencilla pero no escasa de magia. King procura darnos algunos datos y anécdotas que lo formaron como escritor. Para él, uno no se convierte en escritor sólo porque lo desea: si no naces con el talento no hay mucho que hacer, y si eres bueno puedes ser mejor con práctica. Mucha práctica. De eso trata la primera parte, de aquellas experiencias personales en las que las curiosidades del joven King lo fueron acercando a la escritura. La segunda parte “On writing” nos devela sus ideas sobre cómo un escritor escribe lo que escribe. De lo que se trata finalmente, dice King, es de telepatía. Es decir de la habilidad para crear una buena y convincente historia no sólo para quien escribe, sino para quien lee.

Ameno y divertido, King repasa por varios de los elementos de la escritura y nos revela algunas de las historias detrás de sus libros. Particularmente, me llamó mucho la atención cómo empezó a escribir “Carrie”, su primer bestseller, el libro que lo lanzó a la fama. King cuenta cómo un día recordó la vez que limpiando baños de un colegio, le llamó la atención la diferencia entre los baños de hombres y de mujeres: en los baños de mujeres había una máquina para las toallas higiénicas, así como las duchas tenían cortinas de baño para la privacidad. Con el tiempo, ese dato se transformó en el primer capítulo de Carrie. La joven White se da cuenta de que sangra en las duchas del colegio frente a las demás chicas que empiezan a reírse de ella. Carrie no tiene la más mínima idea de lo que le está pasando.

El otro hecho en el que se inspiró fue en la vida de dos chicas que conoció durante su juventud. Una de ellas vivía con su madre en un trailer. Pálida, delgada, parecía no tener voz en ese colegio. En el centro de su casa, una figura tortuosa de un cristo sacrificado observaba toda la habitación. Para King, esa fue la imagen que fue completando el ambiente familiar de la joven Carrie White: una chica bajo la fuerte mirada de un Cristo agonizante y de una madre autoritaria. La otra chica era una niña que, nadie sabe bien por qué, siempre usaba el mismo vestido negro, con las medias grises, y la blusa larga sin mangas. La misma ropa, todos los días en el colegio. De esa manera, la pobre chica fue convertida en el centro de burla de todos los demás, especialmente aquel día que se atrevió a cambiar de ropa y fue objeto de crueles bromas por otras chicas de su edad. Como dice King, ella era el centro porque era lo que las demás más temían. Ambas chicas están en la actualidad muertas (una por epilepsia, la segunda por suicidarse), lamenta el escritor como quien descubre una verdad que la literatura desentraña inconcientemente.

Niños yendo a la escuela en Hallowell, Maine (S. XIX)

Muchas de las historias de King se centran en Maine, en este estado donde al estar casi deshabitado, cualquier cosa puede aparecer, como por ejemplo vampiros (Salem’s Lot), una niña con poderes telekinéticos (Carrie), un cementerio que revive a los muertos para que uno no los extrañe tanto (Cementerio de Animales), unos objetos no identificados que andan por los bosques de un pueblito (The Tommyknockers), un condenado a muerte con poderes muy especiales (The Green Mile), una comunidad atrapada en un supermercado mientras una extraña niebla lo cubre todo (The Mist, no confundir con The Fog de John Carpenter).

Así mismo, estas historias y más han sido llevadas al cine con diferentes resultados: Carrie por Brian de Palma se convirtió en una de las películas de terror más importantes en los setentas, El resplandor por Stanley Kubrick nos dio una de las mejores interpretaciones de Jack Nicholson (aparte de no quererse ir a trabajar a ningún hotel en invierno), Miseria (con la amable Kathie Bates en el papel de la fan Annie Wilkes, enamorada de su escritor favorito Paul Sheldon, interpretado por James Caan) y por Stand by Me Rob Reiner, y The Shawshank Redemption por Tim Robbins.

Caminando entre la ficción y la realidad (y sabiendo que ambas no existen y son solo convenciones), Stephen King nos ha dado muy buenas historias a las que el cine ha sabido darles rostros, frases, acciones, locaciones y, finalmente, … (complete ud. con la palabra(s) que mejor le(s) parezca(n)).

Aquí unos ejemplos:

The Raft (Creepshow 2)

Misery

The Shining

Y una de los mejores en una fiesta de promoción: Carrie

Recomendación: fíjese en las dos tomas paralelas para crear la relación entre la furia de la ensangrentada Carrie y los jóvenes siendo presa de su venganza.

La puerta a lo desconocido

2010-04-27T20:59:00.004-04:00

Abramos esa puerta con la llave de la imaginación. Tras ella encontraremos otra dimensión, una dimensión de sonido, una dimensión de visión, la dimensión de la mente. Estamos entrando en un mundo distinto de sueños e ideas. Estamos entrando en la dimensión desconocida.

Cuando era niño, una de las cosas que me gustaba mucho, aparte de "mataperrear" como dirían mis padres, era ver televisión. Había, por supuesto, pocas cosas que realmente valían la pena en la caja boba sobretodo cuando uno recuerda que lo que muchos chicos de mi edad veían era “Sábado Sensacional” en el canal 4 los sábados en la noche, para el día lunes en el colegio, hablar del último video clip de la noche (que obviamente era el video “sensual” por decirlo eufemísticamente).

Pero había por ahí escondido entre la gran programación nacional, una serie que siempre trataba de ver aunque tuviese que quedarme hasta tarde en la noche. Se trataba de la Dimensión Desconocida o The Twilight Zone. Este era el remake de la exitosa serie de comienzos de los sesentas escrita por uno de esos pocos excelentes guionistas que hay en la tele: Rod Serling.

Opening de los ochentas:

Nunca llegué a ver el programa original sino ese remake ochentero. Ahí encontré muchísimas historias que despertaron mi curiosidad por la ciencia ficción, por un lado, pero también en las historias de terror, misterio, etc, que recorren este extraño mundo en el que vivimos. Por ejemplo la historia del hombre que ha construido en el sótano de su casa un refugio antibombas por el miedo a que se desencadene la Tercera Guerra Mundial (capítulo interpretado por un joven y delgado Joe Mantegna), o el de la mujer que harta de los gritos y escándalos de sus hijos y su esposo encuentra un medallón que puede detener el tiempo cuando ella lo pida. O la historia del hombre que se da cuenta de que todo el mundo comienza a hablar un idioma extraño el cual no tendrá más remedio que aprender si no desea quedarse incomunicado.

Por supuesto, podría seguir contando todos los episodios pero entonces no llegaría al punto de este post. Con los años, averigüé que muchos de estos episodios fueron dirigidos por directores ya famosos o a punto de serlo, entre ellos William Friedkin (El exorcista) y Wes Craven (Nightmare on Elm Street). Así como contó con muchos actores que se volverían famosos con los años (Bruce Willis, Morgan Freeman, Fred Savage, etc.) Incluso se hizo una película con el fin de atraer a la gente a la serie. En ella, 4 directores (Spielberg, Landis, Dante y Miller) le daban un update a las historias con un todo bastante desigual. De ellas, el remake del capítulo “Pesadilla a 20 mil pies” interpretado por John Lithgow es el mejor. En él un hombre aterrado por volar en aviones verá a una suerte de monstruo sentado en el ala y que amenaza con destruir el avión. Como sucede en estas historias, solo él lo ve y nadie le cree. Como consecuencias de esta película, cada vez que vuelo en avión espero dos cosas: uno, que pasen esta película a los pasajeros, y dos, que cuando mire por la ventanilla me encuentre al monstruo aquél.

Pesadilla a 20 mil pies 1

Pesadilla a 20 mil pies 2

Este post se está haciendo largo y, en verdad, no pensaba dedicarle una página entera a la Dimensión Desconocida. Y no porque no se lo merezca, sino porque pensaba más bien escribir sobre un escritor que colaboró con la serie para televisión de los ochentas. En un capítulo de la primera temporada titulado “Gramma” o “La abuela”, un niño tiene que cuidar a su abuela que está muy enferma. Lo que no sabe el chiquito es que su abuela no tiene las ganas de morir y que antes de que eso suceda buscará la manera de sobrevivir a través de su nieto. Teniendo como trasfondo las historias de H. P. Lovecraft, Stephen King logra uno de los episodios más aterradores de la serie. El uso de la mitología de Cthulhu, Yog- Sothoth entre otros grandes monstruos hace la historia mucho más interesante.

Aquí les dejo ese capítulo. Y dejaré para el fin de semana a Stephen King.

"Abuelita" 1 y 2 en inglés y con subtítulos en japonés (:))

Abuelita 2 en inglés y con subtítulos en japonés

Logorama!: As seen on Real Life!

2010-04-18T11:52:00.007-04:00

Cuántos afiches publicitarios puede ver/ contar cuando usted va caminando por la calle? 2?, 5?, 20?, 50?, 100? Claro no se olvide de incluirse a Ud mismo!

En Logoroma, el corto animado ganador del Oscar 2010, nos encontramos con una ciudad (inicialmente Los Angeles pero creo que la metáfora ya se puede extender a cualquier ciudad del mundo) compuesta íntegramente de avisos publicitarios. Dentro de esta sociedad, ha aparecido el enemigo intrínseco al sistema: el terrorista Ronald Mac Donald lleva en su camión metralletas mientras huye por toda la ciudad destruyendo todo a su paso. Los gorditos de Michelin, policías de esta sociedad, serán los encargados de detenerlo, si es que no lo hace primero el mismo planeta Tierra.

Logorama presenta de manera muy sencilla una sociedad totalmente habitada por el consumismo y capitalismo. El mundo, parece mostrar en un inicio el corto, es casi perfecto. En una de las primeras escenas, los policías discuten por qué no ir al zoológico donde se encierra a los animales para "protegerlos". Esa pequeña conversación da paso a la aparición del payaso de las hamburguesas. Ronald es el enemigo que es producto de la misma sociedad. Cuando uno se detiene sobre su aparición en el corto, el personaje del Guasón del último Batman (The Dark Knight) viene a la cabeza. Ambos son el elemento necesario que desestabiliza a la sociedad. La diferencia radica en que mientras que el origen del Guasón no puede ser determinado (en la película se juega con diferentes posibilidades de este), en el caso de Ronald es obvio que éste es hijo del consumismo. Según el corto, este es uno de los culpables de la destrucción de la sociedad pues parece que tanta felicidad y sonrisita ocultaban una violencia apunto de explotar.

El otro elemento es la intervención de la naturaleza, (tal vez ligada al proceso de explotación del petróleo?).En estos momentos de crisis económica y de protagonismo de la naturaleza como discurso (en su versión teórico ecológico y simplemente como fuerza natural) Logorama propone en sus 17 minutos cómo los males de la sociedad y el planeta del siglo XXI terminarán destruyéndolo todo. Dirigido por la compañía frances H5, quien ha hecho videos también para Alex Gopher (con el video The Child que es el que más se parece a Logorama), Goldfrapp, Massive Attack, Logorama seduce a su espectador por la simpleza y sutileza del aviso publicitario y al mismo tiempo por que resume bastante bien el discurso apocalíptico de estos tiempos.

Logorama (2009)
Dirigido por: H5
Protagonistas: Ronald Mac Donald, los gorditos de Michelin, Mr Peanut, el coronel Sanders y más de 2500 logos

Logorama 1 (con subtítulos en español)

Logorama 2 (con subtítulos en español)

Logorama Latinoamerica

Cinema Now!

2010-04-07T22:15:00.003-04:00

Publicado en el año 2007 por la editorial Taschen, Cinema Now, busca presentar al lector, no necesariamente especializado pero interesado en el cine, a los nuevos directores en la escena mundial cinematográfica. Este libro editado por Paul Duncan y Andrew Bailey y con cerca de 600 páginas, nos proporciona una ficha técnica de los autores, su filmografía a la fecha (2007), así como una buena cantidad de fotos y comentarios de los directores sobre su propia obra.

Editado en tres idiomas (inglés, francés y alemán), Cinema Now permite introducirnos al trabajo de estos directores que han venido trabajando dentro y fuera del ámbito nacional y internacional en los últimos 20 años. Algunos de los directores que aparecen en el libro son:

Fatih Akin, Pedro Almodóvar, Andrea Arnold, Darren Aronofsky, Jacques Audiard, Siddiq Barmak, Matthew Barney, Bong Joon-ho, Catherine Breillat, Craig Brewer, Laurent Cantet, Nuri Bilge Ceylan, Stephen Chow, Sofia Coppola, Alfonso Cuarón, Luc & Jean-Pierre Dardenne, Guillermo del Toro, Marc Dornford-May, Bruno Dumont, Atom Egoyan, Alejandro González Iñárritu, Paul Greengrass, Lucile Hadzihalilovic, Michael Haneke, Mary Harron, Todd Haynes, Hou Hsiao-hsien, Spike Jonze, Miranda July, Lodge Kerrigan, Kim Ki-duk, Guy Maddin, Terrence Malick, Michael Mann, Neil Marshall, Lucrecia Martel, Fernando Meirelles, John Cameron Mitchell, Lukas Moodysson, Anders Morgenthaler, Christopher Nolan, György Pálfi, Park Chan-wook, Alexander Payne, Cristi Puiu, Pen-ek Ratanaruang, Nicolas Winding Refn, Carlos Reygadas, João Pedro Rodrigues, Robert Rodriguez, Pavel Ruminov, David O. Russell, Cate Shortland, Johnnie To, Tsai Ming-liang, Tom Tykwer, Gus Van Sant, Apichatpong Weerasethakul, Wong Kar-wai, Zhang Yimou.

El libro contiene además un DVD que incluye algunos trailers de películas así como algunos cortos de los ya presentados. Vale mencionar que si lo que busca es más bien un libro teórico o histórico de cine (espero poner algunos de estos pronto), el libro de Taschen no le será de mucha ayuda pues es antetodo una paneo de lo que hay actualmente. De todas maneras, este libro lanza una pregunta en su concepción: Qué es el cine ahora?, es decir: Lo que existe es ahora un cine global? Directores dirigiendo películas no solo para su propio país sino para el resto del mundo? Qué sucede con el cine local o regional? Son estos conceptos "pasados de modas"?

Finalmente, al margen de las inquietudes personales, vale la pena darle una ojeada a este libro para conocer aunque sea brevemente quiénes son los invitados a la aldea global del cine, sus películas, y algunas de las ideas de estos realizadores sobre su propia obra.

Nuevamente aquí los primeros cinco minutos del new global cinema:

Luz Silenciosa (2007) del mexicano Carlos Reygadas

Cinema Now!

Tim Burton: el chico ostra

2010-04-04T18:45:00.006-04:00

La semana antepasada, aprovechando el Spring Break de mi trabajo, pude viajar con mi novia a Nueva York y ver la exposición de Tim Burton que se exhibe por estos días en el MOMA (o el Museo de Arte Moderno). Sólo fueron 12 dólares (y digo sólo porque el costo de la entrada para el público en general es $20), pero por cosas del destino el precio fue reducido al de estudiante.

Realmente nunca he sido muy conciente del valor que le he dado a las películas de Tim Burton. Eso no significa que lo considere malo o alguna cosa parecida. Todo lo contrario. Me parece un mundo tan natural que es uno de los pocos cineastas de los que poco o nada se puede decir pues su obra es parte de uno mismo al margen de que seamos concientes de ello.

Tim Burton (nacido un 25 de agosto de 1958) tiene cerca de 16 películas y unas tantas más en su haber como productor (entre ellas The Nightmare before Christmas). Actualmente, todas ellas se encuentran en exhibición en el MOMA. Al entrar al museo, lo primero que sorprende es ver en el hall un gran muñeco inflable de uno de los niños que desde joven lo acompañan: Ballon Boy. Luego de subir hasta el tercer piso, hay que entrar en el túnel que da a la exposición. Y ya nos encontramos a la infancia: ese lugar entre tierno, violento y solitario: el mundo de un niño tímido donde todo es nuevo, donde los otros parecen ser ridículos monstruos, niños como diablillos, un mundo donde los adultos muchas veces no pueden acceder (o regresar) más que pasando por algún portal (como por ejemplo la pareja recién muerta en Bettlejuice o Alicia en su última película).

Stain Boy:

Pero me estoy adelantando. ¿Quién los recibe al entrar a la exhibición? Pues nada menos que Stain Boy. Cinco cortos animados basados en el chico Mancha, uno de los personajes de su libro “La melancólica muerte del chico Ostra y otras historias”, dan la bienvenida al universo Burton. Al terminar el túnel ya hemos dejado atrás eso que llamamos realidad para entrar a otra: carruseles diabólicos, reproducciones de los muñecos de sus películas (Marte Ataca, La novia Cadáver), las máscaras de Batman, el cochecito de bebé de Oswald Chesterfield Cobblepot o mejor conocido como el Pingüino, el traje del jinete sin cabeza, sus dibujos, cuadernos, borradores etc. Todo a disposición del buen ojo compañero de los fanes de Burton.

Como último detalle, habría que decir algo. Al entrar a la exposición, no seguimos el orden indicado. Es decir no fuimos con el tiempo, no vimos sus primeros trabajos hasta llegar a los más últimos, sino que empezamos de lo más actual (Sweeney Todd, El planeta de los Simios, Batman, etc.) con dirección al pasado. Y llegamos a sus primeras caricaturas, su primer animado Vincent (en homenaje a uno de sus héroes Vincent Price), su corto para televisión Hansel y Gretel (1982), así como sus primeras borradores de cuando vivía en Burbank. Este viaje desde la adultez fue el que hizo de esta exhibición algo particular: como en una máquina del tiempo, íbamos hacia atrás para encontrar los mismos personajes, los mismos monstruitos entre tiernos, complejos, acomplejados, enigmáticos y solitarios que aparecen en toda su obra. Un viaje hacia la infancia. Tal vez esa sea la mejor definición de la obra de este niño que es Tim Burton.

Algunos links que les pueden interesar para su colección personal de archivos en pdf

Tim Burton Exhibition Moma

La melancólica muerte del chico Ostra y otras historias

Tim Burton at the MOMA

2010-03-29T23:05:00.004-04:00

Como adelanto del siguiente post: un comercial del MOMA sobre la exposición del trabajo del cineasta Tim Burton.

Los 10 Mandamientos según Jan Švankmajer

2010-03-28T21:44:00.003-04:00

Cada vez más se reconoce mundialmente el trabajo del checo Jan Svankmajer. Sus diversos cortos han influenciado el trabajo de conocidos cineastas como Terry Gilliam, Tim Burton o los hermanos Quay. Con más de 30 cortos y 6 largos de animación, Svankmajer ha creado un mundo personal delirante cuyo protagonista principal es el objeto. Sí, el objeto: lápices, calcetines, corchos, piedras, lodos, muñecos, títeres, zapatos, botones, y todo un largo etc. Con ellos ha recreado piezas de la literatura como Alicia en el País de las Maravillas, el Castillo de Otranto, La Caída de la Casa Usher, etc. Cómo lo hizo? Aquí su decálogo, un compendio personal sobre su manera particular de hacer cine.

Aquí su website: http://www.jansvankmajer.com/

El Decálogo de Jan Svankmajer

1. Ten siempre bien presente que la poesía es una cosa. La antítesis de la poesía es la especialización profesional. Antes de comenzar a hacer una película, métete a escribir poemas, pinta un cuadro, haz un collage, escribe una novela, un ensayo, etc. Porque solo cultivando la universalidad de la expresión podrás estar seguro de hacer un buen film.

2. Abandónate enteramente a tu obsesión. No hay nada mejor. Las obsesiones son las reliquias de la infancia. Y es en la profundidad de la infancia donde tienen origen los tesoros mayores. Procurar tener siempre la puerta abierta en aquella dirección. Pues no se trata de los recuerdos sino de las sensaciones. No se trata de la conciencia sino de lo inconciente. Deja que el río interior fluya libremente dentro de ti. Concéntrate en ello pero al mismo tiempo relájate completamente. Cuando hagas una película, debes estar 24 horas sumergido en él. Así, todas tus obsesiones, tu infancias, se transferirá en la película sin que tú tengas conciencia de ello. Y tu película se transformará en un triunfo del infantilismo. Y justamente de eso se trata.

3. Usa la animación como si fuese una operación mágica. Animar no significa mover un objeto inanimado, sino infundarle vida. O mejor aún, despertarlo a la vida. Antes de infundarle vida al objeto, prueba comprenderlo. Comprender no solo su función utilitaria sino su vida interior. Los objetos, especialmente aquellos viejos, son testimonios estáticos de acciones y de destinos diversos que están impresos en ellos. Las personas las tocaron en diferentes situaciones, mientras actuaban bajo varias emociones, y ellas les imprimieron su propio estado mental. Si quieres develar el contenido de estos objetos en una película, debes oír. Algunas veces por muchos años. Pues debes ser primero un coleccionista y sólo más tarde podrás devenir en cineasta. El proceso de infundar vida a través de la animación debe ser un proceso natural. Debe partir del objeto mismo y nunca de tu voluntad ¡Nunca uses la violencia en un objeto! No cuentes tu historia a través de él, sino la del objeto mismo.

4. Cambia continuamente del sueño a la realidad y viceversa. No existe un pasaje lógico para eso. Sólo una operación física existe del paso del sueño a la realidad: abrir o cerrar los ojos. En la ensoñación, incluso eso no es necesario.

5. Se debe decir qué cosa es más importante, si la experiencia del ojo o la del cuerpo, da siempre preferencia a la del cuerpo, porque el tacto es el sentido más antiguo respecto de la vista, y la experiencia que se recibe a través de él es de mayor importancia. A parte de eso, en nuestra actual civilización audiovisual, el ojo o está cansado o ha sido corrompido. La experiencia del cuerpo es más auténtica, y aún ahí no habita la estetización. El punto de fuga que no debemos perder de vista es, obviamente, la sinestesia.

6. Cuanto más profundo entres en una acción fantástica, más detallista debes ser. En ese punto, es necesario confiar enteramente en tu experiencia del sueño. No te preocupes sobre ser “aburridamente descriptivo”, de la obsesión pedante, del ‘detalle inútil’, del documentalismo. Debes convencer al espectador de que todo lo que ve en la película le concierne; que no se trata de cualquier cosa que está fuera de su mundo sino al contrario, que todo en la película está inmerso en su mundo, hasta el cuello, sin que él se dé cuenta. Y es necesario que, con todos los trucos cinematográficos que tú posees, debas convencerlo.

7. La imaginación es subversiva porque se opone a lo que es posible y a lo que es real. Por este motivo, usa siempre tu imaginación más desenfrenada. La imaginación es el don más grande que la humanidad ha recibido. Y es la imaginación la que hace al hombre un ser humano, no el trabajo. La imaginación, la imaginación, la imaginación…

8. Por principio, escoge temas de los que tienes un sentimiento ambivalente. Tal ambivalencia debe ser suficientemente fuerte (profunda), incontrovertible, de modo que tu puedas caminar al filo sin caer en un lado o en el otro, o en los dos al mismo tiempo. Solo así evitarás el mayor de los pecados: una película de tesis.

9. Cultiva tus creatividad como una forma de auto-terapia. Tal actitud antiestética lleva a la creatividad a las puertas de las libertad. Si la creación artística tiene un sentido, es esencialmente el de liberarnos. Ninguna película (pintura o poesía) puede liberar a un espectador si primero no se ha liberado de su propio autor. Todo lo demás es una cuestión de pura ‘subjetividad común’. La creación artística como una liberación permanente.

10. Da siempre preferencia a la creación, a la continuidad del modelo interior o del automatismo psíquico respecto de la idea. Una idea, incluso la mejor, no puede constituir un motivo suficiente para hacer una película. Crear no significa ir tambaleándose de una idea a otra. Una idea se convierte en parte del proceso creativo sólo en el momento en el que el tema que quieres expresar es comprendido plenamente. Sólo así, las ideas correctas llegarán. La idea es solo uno de los componentes del proceso creativo, no cierto impulso para de repente ser creativo. Nunca trabajes, improvisa siempre. El guión es importante para el productor pero no para ti. Es solo un documento no obligatorio al cual regresar cuando la inspiración te decepciona. Si esto te sucede por más de tres veces durante la filmación de una película, se trata de una señal: o estás trabajando incorrectamente la película o ya está acabada.

°°°

Aunque he formulado este decálogo en un papel, no significa que concientemente lo use. Estas reglas, de alguna manera, han aparecido en mis trabajos, pero no los preceden. De todas maneras, las reglas están ahí para ser rotas (no para ser evitadas). Pero hay una regla que si se rompe (o peor aún, si se evita), es destructiva para el artista: nunca subordines tu obra al servicio de otra cosa que no sea la libertad.

Jan Svankmajer 1999

Tomado de The Cinema of Jan Švankmajer Dark Alchemy (Director's Cuts)
Wallflower Press; 2nd edition (March 1, 2008)
Traducido por Carlos Villacorta

Por último, un trailer que alguien hizo de su obra

El cine peruano en DVD

2010-02-27T11:41:00.003-05:00

Leo en las noticias peruanas algo que vale la pena resaltar. Butaca Perú ha editado 18 películas nacionales en DVD. Según leo, estas son las primeras de 60 películas que pretenden llevar al formato digital. Estas primeras películas son:

Días de Santiago (Josué Méndez)

Doble juego (Chicho Durant)
Coraje (Chicho Durant)
Alias la Gringa (Chicho Durant)
El premio (Chicho Durant)

Paloma de papel (Fabrizio Aguilar)

La prueba (Judith Vélez)

El acuarelista (Daniel Rodríguez)

Pasajeros (Andrés Cotle)

Ciudad de M (Felipe Degregori)

Mañana te cuento (Eduardo Mendoza)

Django (Ricardo Velásquez)

La teta asustada (Claudia Llosa)
Madeinusa (Claudia Llosa)

No se lo digas a nadie (Francisco Lombardi)
La boca del lobo (Francisco Lombardi)
La ciudad y los perros (Francisco Lombardi)
Bajo la piel (Francisco Lombardi)

Para más info les dejo el link y el trailer:

El viaje empieza aquí

2010-02-26T19:38:00.003-05:00

Into the wild (2007)

Es 1990. Christopher McCandless (Emile Hirsh) ha terminado sus estudios universitarios. En la cena con sus padres (Marcia Gay Harden y William Hurt) y su hermana (Jena Malone), Chris ya ha decidido qué hacer con su vida. Su padre insiste en regalarle un nuevo auto pero él declina la oferta empezando una discusión en plena celebración. Chris, sin hacer mucho escándalo, está cansado de sus padres. Siente que ha cumplido al educarse en una buena universidad y está listo. Lo que le toca ahora es ir al mundo y desaparecer de la vida de sus conocidos. Chris quema y rompe sus tarjetas de crédito, dona 24 mil dólares a una fundación de ayuda a la pobreza, se sube a su carro y nunca más se aparece en la vida familiar de los McCandless.

Basada en una historia de la vida real, esta película sencilla nos muestra el viaje de este joven chico de 23 años y su renuncia al mundo materialista de sus padres (su padre trabajaba para la NASA y su madre es secretaria). Ese mundo familiar es narrado por su hermana Carine y es a través de ella que conocemos cómo el mundo privado y familiar se desquebraja y revela la falsedad en la que el joven Chris ha vivido. Al mismo tiempo, su paso por la universidad no lo trasforma en un ciudadano que quiera formar parte de la sociedad norteamericana. Todo lo contrario, la universidad sólo le confirma el vacío que existe en Estados Unidos.

¿Qué es lo que se deja atrás cuando uno se va? Christopher, al renunciar a su familia y su sociedad, le da la espalda a varias cosas. La primera de ellas es la década de los ochentas. Eso implica deshacerse de la política económica aplicada por Ronald Reagan (para muchos el que trajo la paz al mundo al acabar con el comunismo) en los Estados Unidos que creo justamente ciudadanos como sus padres: seres vacíos, encadenados al éxito monetario y hueco de esta década. La segunda es obviamente a la familia producto de esta época. La familia sufre de ese mal que los dos gobiernos de Reagan crearon: la creencia total en el dinero y la tarjeta de crédito, y la soberbia de creer que el fundamento de la felicidad es el mismo dinero. Tercero, abandona la esperanza en la sociedad como posibilidad del ser humano. Al irse a Alaska, a la soledad de los bosques, el joven retoma el viaje que muchos norteamericanos han hecho. Entre ellos, el filósofo y escritor Thoreau (a quien lee en algún momento de su viaje). Finalmente, Christopher abandona su nombre y su identidad y se formula otra: Alexander Supertramp. Su viaje ha empezado aunque no esté conciente de lo que implica.

Efectivamente, esta no es una película de finales felices, y tampoco sensiblera. El viaje hasta Alaska se da de manera pausada, sin apresurarse pues el fin es sólo uno. El joven muere envenenado por unas plantas que confunde y come en Alaska (en la vida real parece que murió de hambre). Según leo en algunas páginas web, muchos piensan que lo que hizo fue un suicidio: ir sin mapa, sin brújula era aventurarse a la muerte. ¿Es un suicidio? ¿O, como dicen otros, es un viaje de redescubrimiento personal? Into the wild apuesta por lo segundo, pues no existe viaje de redescubrimiento sin dos cosas: la huida de algo y la gratificante esperanza de haber vivido cuando todo se acabe.

Nota aparte: la película, producida por Sean Penn, tiene además un logro que es el soundtrack, interpretado en su mayoría por Eddie Vedder de Pearl Jam, Jerry Hannan y Michael Brook.

Hard Sun

última foto de Chris McCandless en el bus de Alaska donde murió en 1992.

Into the Wild

2010-02-13T16:20:00.004-05:00

Luego de un merecido descanso regresamos.

Y para empezar una canción de la película Into the Wild (2007). Eddie Vedder y "Society"

Society

Oh it's a mystery to me.
We have a greed, with which we have agreed...
and you think you have to want more than you need...
until you have it all, you won't be free.

Society, you're a crazy breed.
I hope you're not lonely, without me.

When you want more than you have, you think you need...
and when you think more then you want, your thoughts begin to bleed.
I think I need to find a bigger place...
cause when you have more than you think, you need more space.

Society, you're a crazy breed.
I hope you're not lonely, without me.
Society, crazy indeed...
I hope you're not lonely, without me.

There's those thinkin' more or less, less is more,
but if less is more, how you keepin' score?
It means for every point you make, your level drops.
Kinda like you're startin' from the top...
and you can't do that.

Society, you're a crazy breed.
I hope you're not lonely, without me.
Society, crazy indeed...
I hope you're not lonely, without me
Society, have mercy on me.
I hope you're not angry, if I disagree.
Society, crazy indeed.
I hope you're not lonely...
without me.

Otro artista del hambre

2009-10-30T15:38:00.003-04:00

"Era el tiempo en que yo vagaba con el estómago vacío por Cristanía, esa ciudad singular que nadie puede abandonar sin llevarse imprese su huella..."

Así empieza "Hambre" del escritor noruego Knut Hansum. En vez de resumirlo prefiero copiar lo que dice Paul Auster al respecto:

"Un hombre llega a la ciudad. No tiene nombre, ni hogar, ni trabajo: ha venido a la ciudad a escribir. Escribir. O mejor, no escribe. Padece de hambre hasta morir.
La ciudad es Cristiana (Oslo); el año 1890. el joven deambula por las calles: la ciudad es un laberinto de hambre, y todos sus días son idénticos. Escribe artículos no solicitados para un periódico local. Se preocupa por su renta, por sus ropas deshechas, por la dificultad de buscar su próxima comida. Sufre. Casi se vuelve loco. Está siempre a un paso del colapso.

Sin embargo, escribe. De cuando en cuando logra vender un artículo, hallar un alivio temporal para su miseria. Pero está demasiado débil para escribir con continuidad y rara vez puede terminar los textos que ha comenzado. Entre sus trabajos hay un ensayo titulado “Crímenes del futuro”, un opúsculo filosófico sobre el libre albedrío, una alegoría acerca del incendio de una librería (los libros son cerebros) y una obra de teatro ambientada en la Edad Media, la señal de la cruz. El proceso es inevitable: debe comer para poder escribir. Pero si no escribe no comerá. Y sino puede comer, no puede escribir. No puede escribir.” (Paul Auster, el arte del hambre.)

Efectivamente, el protagonista es un joven escritor, sin nombre, tratando de hacer su suerte en la pequeña ciudad (Oslo, tierra de Münch, de Grieg y de tantas almas atormentadas más). Su problema; no tener dinero y no poder sobrevivir en la ciudad que poco o nada sabe o se interesa por el joven. Pero ese no es su único problema. Muchas veces, el protagonista consigue dinero, pero el asumirse como superior a la sociedad sobre la que escribe. Como bien apunta Auster, esta novela no es la proclamación de ninguna reivindicación social, mucho menos una crítica al status quo, es el ayuno de un escritor como medio para asumir su libertad en la sociedad a la que ciertamente desprecia. Su sobrevivencia se asume en los términos del protagonista. Si ha de morir, pues morirá parado. Esta posición lo acerca a otros personajes clásicos y bien conocidos como el Raskolnikov de Dostoievski.

En 1966 se filmó la primera versión de este libro por Henning Carlsen y con el actor Per Oscarsson en el papel principal. La película íntegramente filmada en blanco y negro permite ver una ciudad como debió haber sido la original Oslo de comienzos de siglo: de calles pequeñas, con carretas, gente caminando en sus calles y en sus parques, los nuevos negocios, y ahí la figura del actor Oscarsson en una interpretación genial de personaje (que le valió el premio a mejor actor en el festival de Cannes del mismo año) y de su infortunio hasta cierto punto autoinflingido. Los extras del DVD poseen una verdadera joya: Auster conversa con la nieta de Hansum sobre cómo Auster descubrió primero la película y luego se acercó al libro sólo para descubrir la maravilla del cine y de la misma literatura. Ahí mismo la nieta comenta que lamentablemente las calles de Oslo que salen en la película ya no existen más por el cambio habido en la ciudad en los últimos 40 años.

Para terminar, la película (y obviamente el libro) marcan el comienzo del siglo XX para el país nórdico. Sult (su nombre original en danés, Svålt en noruego) presenta al escritor en su estado más real: un hombre muerto de hambre que prefiere morirse así antes que ser como la sociedad a la que pertenece. Ecos románticos, decadentismo del siglo XIX, el escritor aparece así más aislado de su sociedad, que lo empieza a ver como una pieza sin mayor función, y en muchos casos como un loco. En su mismo ensayo, Auster hace la conexión entre este libro y el cuento de Kafka “Un artista del hambre” donde el artista (el escritor) es un espectáculo e circo para todos los demás. Es el artista que ha llevado su arte hasta el extremo, incluso más de cualquier supuesta incomprensión. Lo ha llevado a encarar un destino final: enfrentar al rostro de la muerte.

Dos videos para que puedan ver algo de la película. Lamentablemente ambos en noruego y sin subtítulos (cosas). En el primero, se ve al protagonista tocando puertas mientras hace tiempo para ver si el editor de un periódico ha leido su artículo. En el ínterin, pasará por un camal y pedirá “un hueso para su perro”, pero en realidad es para él.

El segundo video lo muestra comiendo en una fonda pero, debido a su estado, no puede terminar su comida y sale corriendo a vomitarla en un árbol fuera del restaurante. De regreso a casa, olvida que ha comprado una vela pero no tiene fósforos para encenderla, con lo que no podrá continuar escribiendo su artículo para el periódico y así recibir un poco de dinero.

Video 1

Video 2

Bastardo cineasta

2009-10-12T10:55:00.007-04:00

Honestamente cuando fui a ver la última película de Tarantino, esperaba ver un poco más de lo que ya había visto en Kill Bill: demostración de piroctenia en escenas de acción, una banda sonora excelente, a Uma Thurman otra vez, pero con una historia que si bien entretenía no tenía la profundidad de personajes desarrolladas en sus películas previas a saber Reservoir Dogs, Pulp Fiction o Jackie Brown. Esto no significa que Kill Bill sea una mala película, pero si uno andaba buscando un algo más en esos personajes que Tarantino sabe crear con maestría pues al menos en Kill Bill el espectáculo visual se terminaba tragando a los personajes. Nota aparte Death Proof está a medio camino entre su primer cine y el despliegue visual de Kill Bill. En Inglourious Basterds, la historia es otra.

Lo primero que habría que decir es que Tarantino no se enfoca en las "grandes aventuras" de los bastardos como uno pudiera esperar. Esto ya de por sí cambia las expectativas del espectador frente a la película, lo cual de por sí ya es un avance. Porque en vez de contarnos algo que podría ser un cliché (como pasa en varias escenas en que los bastardos son protagonistas), prefiere dar un paso al costado y contarnos la revancha de la única sobreviviente del asesinato de la familia judía Dreyfus, Shosanna, a manos del impacable nazi Hans Landa (qué duda cabe! un excelente personaje nacido de la pluma de Tarantino e intrepretado por Christoph Waltz). De aquí que incluso las declaraciones del mismo director sobre su película: "es un spaguetti western en la Segunda Guerra Mundial", no le hagan justicia a la historia presentada. Como dije, la historia de Shosanna me parece el quid del asunto.

Y al enfocarse en ella, al mostrarla muchos años después como dueña de un pequeño cine en París. Tarantino presenta lo que llamo la venganza del director. Para Tarantino, parece decirnos Inglourious, la atrocidad de los nazis no es sólo haber asesinado a miles de familias (judías o no), sino el asesinato al cine. Es decir, la creación de un cine de propaganda, básico en su finalidad, es lo peor que muchos cineastas alemanes le hicieron al séptimo arte. Más allá de la técnica cinematográfica usada por, por ejemplo, Leni Riefenstahl, y más allá de ser documentos históricos, para Tarantino el cine alemán propagandista no tiene mayor valor artístico. Un ejemplo concreto es la manera cómo aparece Frederick Zoller en la película donde se defiende de los aliados desde una torre, y cómo muere Shosanna de una manera visualmente más rica (digamos hasta poética).

Sin duda, estamos frente a un Tarantino un poco más relajado y más dueño de sus personajes así como de sus diálogos, ahora agregándole una tensión que no existía en sus otras películas. Ahora no sólo se trata de atender las frases o diálogos ingeniosos sino también de atrapar el espectador con una buena historia.

Una escena

La carretera

2009-08-22T15:58:00.003-04:00

The Road, la extraordinaria novela de Cormac McCarthy llega al cine. Aquí, sin más, el trailer:

D-9

2009-08-22T15:30:00.003-04:00

Oficialmente en 1948, el Apartheid fue impuesto como un sistema totalmente legal de segregación racial en Sudáfrica. Su aparición se dio justo después de terminada la Segunda Guerra Mundial, lo cual dice mucho sobre lo que los países colonizadores (y cualquier régimen supuestamente democrático) aprendió de esa guerra. Por más de 40 años, el Apartheid siguió siendo vigente hasta que, en los primeros años de la década de los noventas, el sistema fue desmantelado. El golpe definitivo a este ilegal sistema fue dado por la mayoritaria votación de los sudafricanos para las elecciones de 1994 (alrededor de veinte millones de personas).

Nacido en Sudáfrica, el director Nelly Blomkamp, con ayuda de Peter Jackson, decidió llevar a la pantalla una historia de ciencia ficción que no suena a relato imaginario-fantástico. District-9 narra, a manera de alegoría, lo que significó (y significa) el sistema del Apartheid en Sudáfrica. Basado en el verdadero Distrito 6 (de donde más de 60 mil personas fueron removidas porque la zona había sido nombrada como zona para blancos), District-9 narra la llegada de unos alienígenas (llamados peyorativamente como “prawns” o “crustáceos”) a Johannesburgo.

Estos marcianos son diferentes a los que hemos visto antes: no pretenden destruir la Tierra, ni desaparecer a la raza humana. Solo están ahí por que necesitan reparar su nave para regresar a casa. Sin embargo, son condenados a vivir en esta zona sin tener mayor contacto con ningún humano.

La historia no termina ahí. Todo lo contrario. El funcionario Wikus van der Merwe (Sharlto Copley) es el encargado de hacer que los aliens firmen un papel para que legalmente puedan ser removidos de esa zona. El problema es que Wikus termina contaminado por una sustancia extraña que poco a poco lo va convirtiendo en un alienígena más. Para poder volver a ser humano, tendrá que ayudar al alien Christopher y a su hijo a encontrar esa sustancia. Así, Wikus se enfrenta a la compañía que los mantiene en vigilancia y que, ante el asombro de muchos, hace experimentos con los marcianos.

District-9 da en el clavo al invertir el tema típico de la ciencia ficción: los marcianos son malos y nos van a destruir. Los marcianos de esta película buscan, sobre todo, salir de ese lugar donde están atrapados para irse a su planeta, donde quiera que este esté. Los marcianos aparecen, entonces, más humanos que los humanos. Tiene sentimientos y sufren. Por el otro lado, los humanos son los malos de la película porque no importa de que raza seas, o de qué clase, District-9 sugiere que siempre hay alguien debajo de uno al que se puede explotar o someter violentamente. Al mismo tiempo propone una solución para el problema: el humano tiene que convertirse en el Otro, que realmente no conoce, para entender el mismo problema que los aqueja. Ninguno puede regresar a casa. El final no busca que estemos del lado de los seres humanos opresores, sino más bien de Christopher y de su hijo quienes escapan de ese encierro. Aún a costa de la transformación de Wikus en esos “prawns”.

D-9 cumple su cometido, no abusa de los efectos especiales ni arma una trama enredada. Al contrario, mientras más se mira, todos los elementos de la película revelan que la ciencia ficción no es tan ciencia ficción sino que su poder reside en la semejanza que guarda con la realidad. Ojo, no quiero decir igualdad con la realidad pues la realidad siempre es más cruel y mucho más obscena.

¿Existen aún hoy, en el año 2009, estos tipos de sistemas segregacionistas? Habría que mirar bien el país o continente donde uno vive para ver las semejanzas o las diferencias entre District-9 y los dueños del mundo.

Trailer

La Cruzada de los niños

2009-08-13T11:58:00.004-04:00

“Yo vi la destrucción de Dresden. Vi la ciudad antes y luego salí del refugio anti-bombardeo y vi de Nuevo la ciudad. Y ciertamente una respuesta para eso fue la risa. Dios sabe que esa es el alma buscando algún respiro.”

Así se refiere Kurt Vonnegut a la experiencia que lo llevó a escribir su novela más famosa Matadero Nº 5 (Slaughterhouse number 5). La novela narra su experiencia en la Segunda Guerra Mundial, especialmente el episodio del bombardeo de la ciudad Dresden por los británicos en 1945, en sus palabras “una destrucción sin ningún sentido”. 23 años le tomó a este escritor poder enfrentarse a este tema. En su libro “A man without a country” (en donde se encuentran estas citas), Vonnegut declara que es muy descortés preguntarle a un soldado sobre lo que le pasó o vio en la guerra, lo que lleva a que la gente se imagine todo tipo de cosas. Y 23 años más tarde lo que tenía que contar no hacía a la guerra y al bombardeo más amable sino todo lo contrario.

Pero para quienes piensan que Matadero Nº 5 es un pedazo de drama, una experiencia terrible sobre la guerra se equivocan en parte. La novela es una suerte de parodia sobre los protagonistas-sobrevivientes del bombardeo. Y más aún, la novela ironiza sobre los nazis, sobre los prisioneros de guerra, sobre los norteamericanos. Esto ha llevado a muchos académicos y lectores a definir a la novela como una que vanaliza el tema (para algunos incluso se burla del asunto) sobre todo por su fuerte ironía y por la aparición de los extraterrestres de Tralfamadore que se llevan al protagonista, Billy Pilgrim, a otro planeta para investigarlo (sí, así como lo lee). Sin embargo, la novela propone, bajo la máscara de la risa, una visión filosófica sobre la vida.

En 1972, George Roy Hill (director de películas como The Sting y Butch Cassidy and the Sundance Kid) llevó a la pantalla este libro que ganó el Prix du Jury de Cannes el mismo año. Sobre la misma película, Vonnegut dijo que era sin duda una excelente adaptación. Y la película, para muchos desconocida, es una buena aproximación a la novela. Más allá de las diferencias con el libro, la película da el buen tino de no llegar a ser esa exageración que muchos críticos creen ver en la novela, y al mismo tiempo no es ese drama que otros buscarían.

Vale la pena darla una mirada a este libro y a la película (que Guillermo del Toro ha dicho que quiere llevar al cine una vez más) que tiene mucho que decir sobre la guerra. La película se encuentra en HULU (lo malo es que Hulu solo se puede ver en USA :S), y en Utube en inglés y con subtítulos en japonés! (lo cual dice mucho de los fans en Japón)

Trailer? (no sé si será el trailer pero se ve una suerte de avance de la pela)

Parte 1

El fantasma en la Red

2009-08-09T15:03:00.003-04:00

Este 2009 se cumplen 20 años de la aparición del manga Ghost in the Shell escrito por Shirow Masamune. Para aquellos familiarizados con el comic, este es uno de los mangas más influyentes en lo que toca a animación, tema, e incluso desarrollo filosófico futurista (existe tal cosa?). Ghost in the shell fue llevado a la pantalla en el año de 1995, con lo que también se cumplen 14 años de esta célebre película. Y 5 años más de la secuela: Ghost in the Shell: Innocence, ambas película dirigidas por Mamoru Oshii.

¿Pero de qué va esta historia? En un futuro no muy lejano, en el 2029 para ser exacto, la mayor Motoko Kusanagi junto con la unidad de la Sección 9 investiga casos de espionaje, robos de información, hackers, etc en Japón. Hasta acá nada del otro mundo, y sin embargo el mundo presentado en Ghost in the Shell juega con la ambigüedad de un mundo en el que conviven seres humanos, robots y ciborgs y donde es cada vez más difícil distinguir si existe algo que diferencie a estos tres. En otras palabras, Ghost in the shell se presenta como una historia policial donde la base sigue siendo si existe algo como el alma (donde radicaría la humanidad de humanos, robots y ciborgs).

Hay mucho por decir sobre este manga, por ejemplo que la película Matrix no existiría sin ella, las películas y sobre todo la serie aparecida en el 2002: Ghost in the Shell: Stand Alone Complex. Pero para dejarlos con la intriga, si es que no conocen aún el mundo de este anime, le dejo los traileres y la música principal de la segunda película.

Ghost in the Shell 1

Ghost in the Shell: Innocence

Ghost in the Shell: Innocence) - Opening Theme

Desgracia llega al cine

2009-08-01T15:44:00.003-04:00

Reproduzco la entrevista aparecida en el diario el País hecha a Steve Jacobs, director de Desgracia, la película basada en la novela del Premio Nobel del 2003 J.M. Coetzee. La película aún no tiene fecha de estreno. Con la actuación de John Malkovich.

ENTREVISTA: STEVE JACOBS Cineasta
"Nadie juzga a nadie en 'Desgracia"
por AURORA INTXAUSTI - Madrid - 31/07/2009

La casualidad quiso que Steve Jacobs leyese Desgracia y se quedara "colgado" del texto escrito por J. M. Coetzee. Fue también casualidad que los proyectos que le habían presentado al premio Nobel surafricano para llevar al cine su historia fuesen rechazados por su falta de acercamiento a la realidad. Y fue la suerte la que sonrió al realizador Steve Jacobs cuando Coetzee dio el visto bueno al guión presentado por Anna Maria Monticelli, esposa del director y fundadora junto a él de la productora Wild Strawberries. Coetzee "nos dio un mes para ver si éramos capaces de elaborar algo que le gustase. Cuando lo aceptó nos pareció algo maravilloso".

¿Ha visto la película Coetzee? "Después de verla, sus palabras fueron las siguientes: 'Steve Jacobs ha conseguido integrar a la perfección la historia en el grandioso paisaje surafricano. Las interpretaciones de los actores principales tienen mucha fuerza y son meditadas". Viniendo de alguien como el escritor, tan parco en halagos y tan alejado de los medios de comunicación, Jacobs lo entiende "como un verdadero elogio".

Desgracia, que se basa en la novela del mismo título de Coetzee, es una obra de una dureza y belleza extremas, no sólo por la fuerza de los personajes, sino por las complejas emociones que transmite. "Creo que hemos sido capaces de reflejar las complejidades morales de las personas que viven en un país donde el poder está cambiando de manos, tanto en la esfera pública como en la privada. Si algo me gustó de esta obra es que nadie juzga a nadie. No hay juicios sobre las relaciones de cada uno, porque me pregunto que quiénes somos nosotros para juzgar qué es lo que está bien o mal en una sociedad tan complicada y compleja como ésa. Y nosotros somos incapaces de tener soluciones para solventar el problema que vive Suráfrica desde hace años. En esta película hay venganza, perdón, sexo, autoridad y poder", señala el realizador durante la presentación de la película en Madrid.

Las novelas de Coetzee suelen presentar una visión bastante sombría de los seres humanos. En sus textos habla con crudeza y realismo de los sufrimientos causados por el imperialismo en Suráfrica, el apartheid y la violencia posapartheid.

La película, en la que se percibe la belleza y la fuerza de los paisajes surafricanos, cuenta la historia de David Curie (John Malkovich), un controvertido profesor de poesía romántica que, obligado por un feroz tribunal académico, se ve forzado a dejar su puesto en una universidad de la Suráfrica posapartheid.

Steve Jacobs cree que el guión de Monticelli ha sido "capaz de plasmar los silencios que se respiran en la novela de Coetzee". Cuando se le pregunta si Malkovich fue su primera opción para interpretar a David Curie, el cineasta responde: "Lo cierto es que no, pero ahora no me arrepiento, creo que está soberbio en su interpretación. Es inteligente y con un registro muy amplio. Cuando le ofrecí el papel alabó la genialidad de Coetzee como escritor, del que dijo: 'Es un creador de personajes estimulantes".

Trailer

El fantastico Señor Zorro

2009-07-30T20:38:00.002-04:00

Se anuncia ya la nueva película de Wes Anderson, Fantastic Mr. Fox. Basado en la novela del mismo nombre de Roald Dahl, la película narra las aventura de Mr . Fox y de sus vecinos granjeros que tratan de atraparlo por la sencilla razón que se roba a sus animales. Sin más acá el trailer.

Ah y es en animación.

Trailer

Locura Lunar

2009-07-20T23:30:00.002-04:00

El día de hoy, 20 de julio, se cumplen cuarenta años de la llegada del hombre a la luna. La carrera lunar no terminó ese día, y tampoco empezó años antes. Muchos siglos antes ya el hombre pensaba en ese astro que aparecía en las noches iluminando silenciosamente la oscuridad de la noche. Incluso, con el inicio del cine, George Mélies llevó a la pantalla en 1902 lo que Julio Verne había escrito en 1865 bajo el título “De la tierra a la Luna”, renombrado como “Viaje a la Luna” por el cineasta.

40 años más tarde el hijo de una leyenda, de una de la música, lleva a las pantallas la última aventura lunar. Duncan Jones, hijo de David Bowie, acaba de estrenar Moon, una largometraje de apenas 97 minutos teniendo como escenario principal la superficie lunar y como principal actor a Sam Rockwell y como principal voz a Kevin Spacey. La historia es simple. Sam Bell (Sam Rockwell) es un empleado en la luna encargado de extrar Helio 3, una nueva fuente de energía para las necesidades en la Tierra: llámese luz, electricidad, televisión, Internet, bombas nucleares, lo usual. Su contrato de tres años está por terminarse con lo que su regreso a casa, con su esposa y su hija Eve, parece ya una realidad. Acompañado del fiel robot Gerty (cuya voz, apacible y a veces extraña, es de Kevin Spacey) y a pocas semanas de cumplirse el contrato, Sam empezará a tener visiones (ve una chica sentada en la mesa de la base donde trabaja, así como la figura de otra mujer en la superficie lunar). Estas causaran que Sam tenga un accidente y abrirá camino a descubrir una verdad acerca de próximo regreso a la Tierra.

Moon es una película sencilla. No busca en ningún momento construir una historia con alguna vuelta de tuerca en sus últimas escenas. Tampoco es la típica película de ciencia ficción de monstruos o alienígenas. Duncan Jones no se ha propuesto ir más allá de las películas 2001 o Solaris. No. Moon habla del simple deseo de un hombre de regresar a su casa con su familia y su hija. En este sentido, el sentimiento de encierro, aislamiento y de extrañeza que rodean a las películas de este estilo no existen acá. La atmósfera que Jones crea hace que nos acerquemos al lado humano de un hombre atrapado y explotado por una compañía que lo tiene ahí desde hace muchas décadas. Y, al mismo tiempo, Moon es una película sobre cómo la ciencia, de la mano de las grandes compañías, va creando el camino para la explotación de unos pocos por el bienestar de muchos, eso sin importar dónde suceda: al interior de la Tierra o en el espacio exterior.

Moon, con una puesta en escena sencilla, y con un argumento directo crea una historia actual sobre el problema del futuro: ¿Hasta dónde habrá qué llegar para tener lo que tenemos? ¿Hasta explotar a la gente que es una misma?

Moon trailer

5 clips

El rey del pop

2009-06-26T12:14:00.003-04:00

Ayer murió Michael Jackson, un genio de la música pero también una estrella muy controversial. Aquí algunos videos de su música en el cine.

De 13 a 30: Thriller

Rush Hour: Don't stop 'till you get enough

Y uno de sus videos más conocidos

No es solo cuestión de dinero II

2009-06-16T15:33:00.004-04:00

Luego de ver los orígenes del universo, centrémonos ahora en el presente y veamos otras dos
películas.

Érase una vez un museo

En Noche el museo 2 (así es), el joven vigilante Larry Daley (Ben Stiller) ahora vende productos en la televisión. ¿Qué productos? Pues, por ejemplo, linternas con el mango fosforescente (para encontrarlos en la oscuridad!) Así, puede ganar su dinero y mantener a su hijo. Para ser alguien que antes era un guardia de seguridad en un museo, este negocio significa un cambio: ahora es un hombre de clase media con un mediano éxito. Y aquí viene el problema. Los muñecotes de la primera ahora están pasados de moda así que no hay mejor idea que mandarlos al depósito del museo Smithsoniano de Washington para que pasen al olvido. Vistos en este aprieto, no tienen mejor idea que llamar a su viejo amigo para que los ayude. Dos horas más tarde de película y cuando Larry los ha ayudado y los ha regresado al museo de Nueva York, los muñecotes le revelan la verdad. Ellos no tenían ningún problema. El problema lo tiene Larry porque “en tu trabajo no eras feliz” y “la felicidad es hacer lo que te gusta con los amigos que quieres”. En este momento de anagnórisis, Larry decide renunciar a su trabajo de vendedor televisivo y volver a ser el humilde y bien ponderado guardia de seguridad del museo, donde no solo será feliz sino que encontrará el amor. The end.

Más allá de las buenas intenciones y del cliché de la felicidad, es interesante la ideología bastante obvia que subyace a la película. No se trata de hacer dinero, mucho menos de tener un buen trabajo, mucho menos de vender linternas con el mango fosforescente, porque si para ser feliz tienes que ser guardia de seguridad de un museo (con todo lo que eso indique: menos paga, menos seguridad social, menos posibilidad para los hijos) pues está bien. La felicidad, según el criterio de la película, implica una inmovilización social donde no hay que cuestionarse nada, mientras salga de los buenos corazones de los trabajadores. Es interesante que la misma película no haga mención a ninguna recesión económica: simplemente eso no existe. Sin embargo, ese discurso ausente es el que cobra mayor fuerza en la película. En otras palabras, no reclamen y sean felices.

Érase una vez en el infierno

Luego de muchos años, Sam Raimi, el creador de Evildead, regresa a las pantallas con una nueva película de terror. Drag me to hell cuenta la historia de Christine que al tratar de conseguir una mejor posición en el banco en el que trabaja, decide no darle más extensión para pagar su deuda a una vieja gitana, con lo que el banco le quitará a la pobre anciana la casa que tantos años ha venido pagando. Sí, los bancos son inhumanos. Pero nuestra querida gitana no se quedará tranquila y maldecirá a esta joven para que se la lleve el diablo. En tres días, entonces, se abrirá el suelo y la pobre Christine se irá al infierno para siempre.

En esta historia sencilla, Raimi vuelve con pie derecho al cine que le dio fama. Drag me to hell presenta una historia sencilla: la decisión es tuya, o ayudas a los demás o arderás en el infierno. No importa lo que haga Christine: matar a su gato, buscar ayuda en un vidente de la India, o contratar a un hechicera mexicana. Da igual. La maldición gitana no tiene vuelta atrás y lo que empezó mal acabará mal. Por este motivo, esta película no da segundas oportunidades a nadie, y la culpa recae en esos monstruos inhumanos que son los bancos y el mundo financiero.

Drag me to hellm,en términos de historia, no arriesga mucho en ese sentido. Y sin embargo, el suspenso con el que se maneja las apariciones del diablo son muy buenas. De la mano de una cámara que busca encontrar/ ver dónde se haya la maldad, Raimi propone que basta una mala decisión para que el mundo deje de tener coherencia, y que todo comience a girar sin lógica. A diferencia del mundo de Noche en el museo donde todo lo animado expresa vida y felicidad, el universo de Drag me to hell es el de lo objetos que condenan una existencia (representado en el botón que la gitana le quita y le devuelve pero, esta vez, maldito) pues entre Christine y su mundo, el equilibrio se ha roto y el mundo aparece como un lugar al que ya no pertenece.

Más allá del dinero y de los nuevos principios, todas estas películas dialogan con la actualidad social y económica de los Estados Unidos. Verlas es observar los mecanismos masivos de control o de cuestionamiento social. Si aún piensa que el cine es inofensivo, tenga cuidado, no vaya a ser alguien se lo lleve al infierno.

Trailer

No es solo cuestión de principios I

2009-06-16T13:32:00.005-04:00

Ya que ha llegado la primavera y el verano se acerca acá en el hemisferio norte, he aprovechado para ir a ver todos los blockbusters de moda. Por eso, voy a escribir dos posts al respecto. Este el primero.

En el principio fue la luz

¿Qué tienen en común Star Trek, Wolverine y Terminator Salvation? Pues que todas tratan sobre cómo empezaron las historias ya conocidas de estos personajes. Pero en realidad, no es el principio como lo conocemos. Star Trek no cuenta la historia original del capitán Kirk, Spock y demás viajeros del Enterprise. En realidad, esta es una historia localizada en un tiempo-espacio paralelos, donde Kirk no es el capitán y Spock no es el mejor amigo de todo el mundo. Por otro lado, Wolverine también recrea su propia historia y nos muestra un mundo lleno de explosiones, donde mejor es quedarse sin memoria para poder seguir adelante. Finalmente, Terminator 4 narra el inicio de la batalla contra las máquinas que, al mismo tiempo, funciona como una precuela de las primeras tres. Paradoja? No. Reescritura.

Las tres películas tratan sobre cómo volver a contar la historia de viejos personajes, viejas aventuras desde un punto de vista creíble y atractivo a nuevas generaciones. La palabra clave aquí es “cambio”. Y es que una lectura atenta a estas nuevas películas nos muestra que estas tres se insertan en una política de “comencemos de nuevo y dejemos atrás el pasado” porque en resume “yes, we can”.

Esta necesidad implica hacer películas con finales más amables y más felices, donde la estructura de la historia va llevando a los espectadores a aceptar estos finales. Esto es clarísimo en Terminator que sin ser mala no termina de funcionar. La guerra contra las máquinas es presentada como algo ya sabido, donde no hay más sorpresas. La única sorpresa tal vez sea que, a diferencia de las primeras tres donde no importaba lo que hicieras igual ya estabas medio condenado, ahora “sí se puede” ganar la guerra. El caso de Star Trek es interesante pues la serie y las películas siempre estuvieron orientadas a un público familiar por lo que la propuesta de cambiar el pasado para crear un mejor futuro no suena tan descabellada y funciona mejor que en Terminator. Wolverine, sin embargo, queda atrapado entre ser una película de acción con un personaje estereotipado que sólo sabe gritar y hacer volar cosas, y una película más cercana a las originales con personajes mucho más trabajados. Por eso, es mejor que le dé amnesia como finalmente pasa.

El cine nunca ha sido un arte de espectáculo por el espectáculo. Incluso el cine americano del blockbuster parte de una preocupación de “lo que le gusta ver al espectador”. Y en este caso, la premisa es contar de nuevo y darles esperanza. ¿A quiénes? A los que viven la recesión, y a todo el que vea estas películas sin más.

Los muertos

2009-06-09T17:05:00.005-04:00

Este blog interrumpe sus acostumbrados posts sobre cine para sumarse a la situación actual en Perú. Lamentamos la muerte de tantos peruanos (de TODOS LOS PERUANOS) en la selva por culpa de un gobierno incapaz como todos los que han gobernado el Perú.

Y todo para que? para quitarle a unos lo único que tienen. En nombre de aquello que se llama modernidad pero se resume en dinero.

A ver si en el gobierno renuncian frente a lo sucedido.

RIP pequeño saltamontes

2009-06-04T14:55:00.002-04:00

Reproduzco la noticia de la lamentable muerte del pequeño saltamontes

El actor David Carradine fue encontrado muerto en Tailandia

Agencias/Perú21.pe. El actor estadounidense David Carradine, famoso por su papel en la serie de los años 70 Kung Fu, fue hallado ahorcado en una suite de un hotel de la capital tailandesa Bangkok, informó la Policía local.

El cuerpo de Carradine, de 72 años, estaba colgado dentro del armario de la habitación en el hotel de cinco estrellas Park Nai Lert.

“La Policía cree que se suicidó, pues no hallaron evidencias de la presencia de otra persona en el cuarto”, indicó el diario tailandés The Nation en su versión online.

Sus compañeros se preocuparon cuando no apareció a cenar el miércoles por la noche y no pudieron contactar con él por teléfono en la habitación. Una empleada de limpieza lo encontró a las 10:00 de esta mañana.

La embajada de Estados Unidos en Tailandia y su representante Chuck Binder confirmaron la muerte de Carradine, quien se encontraba en Tailandia filmando una película llamada Stretch. “Es un shock”, dijo Binder según la emisora británica BBC. “Estaba lleno de vida, él siempre quería trabajar. (...) Un gran hombre”.

Nacido 8 de diciembre de 1936, hijo del actor John Carradine, David Carradine se hizo famoso mundialmente con la serie de TV Kung Fu, en la que interpretaba al “Pequeño Saltamontes”, el monje shaolin experto en artes marciales Kwai Chang Caine.

Su filmografía en la pantalla grande cuenta un centenar de películas, entre ellas El huevo de la serpiente de Ingmar Bergman y El tren de Bertha. Tras una serie de participaciones en cintas de clase B, resucitó en 2003 de la mano de Quentin Tarantino al participar en las dos entregas de Kill Bill.

Aqui el intro de la serie que le diera fama mundial

Das weisse band

2009-05-24T19:33:00.003-04:00

Reproduzco la noticia sobre el ganador de la Palma de Oro de Cannes: Das weisse band de Michael Haneke.

El austríaco Michael Haneke recibió la Palma de Oro por 'La cinta blanca'

El cineasta se alzó con el máximo galardón del Festival de Cannes por Das weisse band, una escalofriante pintura de la sociedad de un pueblo de Alemania a principios del siglo XX.

El cineasta austríaco Michael Haneke fue galardonado el domingo con la Palma de Oro del Festival de Cannes por Das weisse band (La cinta blanca), una escalofriante pintura de la sociedad de un pueblo de Alemania a principios del siglo XX.

Al recibir el galardón, el director agradeció a sus productores porque le “dejaron hacer la película con total libertad, lo que es algo raro”.

“La felicidad es algo difícil de definir, pero puedo decir que hoy soy muy feliz”, agregó.

Filmada en blanco y negro, con un ascetismo narrativo y un rigor fotográfico que corresponde perfectamente a la aspereza de la historia contada, La cinta blanca nos transporta a un pueblo del norte de Alemania en el año que precede al estallido de la Primera Guerra Mundial.

En ese pueblo, donde la vida es regida por los rigurosos principios morales del puritanismo protestante, autoritarismo y sumisión forman el eje de todas las relaciones: entre los nobles propietarios de las tierras y los campesinos, entre los hombres y las mujeres, entre los padres y los hijos.

Es el verano y la época de la cosecha cuando en el pueblo empiezan a ocurrir una serie de agresiones inexplicables cuyos autores nunca son descubiertos: un cable tendido al paso del caballo del médico del pueblo, dos niños salvajemente golpeados, el incendio de un granero…

El misterio hace surgir los rumores, y con ellos el miedo.

El maestro del pueblo va descubriendo paralelamente comportamientos extraños en sus alumnos, los niños del pueblo, educados en la reverencia y la obediencia ciega a los padres y sometidos a castigo físico y a humillación pública por la más leve falta, en familias en las que los gestos de ternura son inexistentes.

La cinta blanca podría haberse titulado El huevo de la serpiente, como la obra del maestro sueco Ingmar Bergman, cuya sombra planea sobre muchas de las escenas de la película.

Pero Bergman revisitado por la crudeza de Haneke es una mezcla explosiva. La lucidez de la pintura de esa sociedad que años después produciría el nazismo es escalofriante.

Sin embargo, el director austríaco declaró en Cannes que, pese a la historia alemana, no quisiera que su película se considere como una obra sobre el origen del nazismo. “Lo que muestra podría ser transportado a cualquier país”, dijo.

“Más allá de la reconstitución de la época, quise contar la historia de un grupo de niños que erigen en absoluto los principios de sus padres”. “Cuando alguien cree poseer la verdad sobre lo que es justo, se torna rápidamente inhumano: esa es la raíz de cualquier terrorismo político”, estimó.

iii

El anticristo

2009-05-21T12:19:00.002-04:00

Ya está dando que hablar, en Cannes, la última película de Lars Von Trier Antichrist. En ella se narra la tormentosa relación de una pareja, interpretada por Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg. Sobre el tema, el New York Times publicó esta nota que reproduzco a continuación. Al final, les dejo con el trailer.

Lars von Trier Is Still Provocateur of Cannes

By MANOHLA DARGIS

Published: May 18, 2009

CANNES, France — There’s no question that Lars von Trier knows how to get a rise out of the Cannes press — along with its rapt attention, its incredulous laughter and this year at least, its lusty jeers. The Danish middle-aged enfant terrible, who has been shaking up both the festival and world cinema for more than a decade with films like “Breaking the Waves” and “Dogville,” is clearly intent on holding on to his provocateur status, even if it means alienating (dividing, baffling) his audience further. This, in any event, seems one explanation for his latest, “Antichrist,” an alternately deadly serious and highly ironic exploration of psychosexual trauma, with Willem Dafoe and Charlotte Gainsbourg as a couple grieving the death of their only child.

The first two images in “Antichrist” — a shot of the director’s name bluntly juxtaposed with a second shot of the movie’s title — seemed to tip his hand at once. Although the combination of “Lars von Trier/Antichrist” inspired some guffaws (how could it not?), the press audience at Cannes is not always given to easy laughter, particularly when gathered to witness the latest emission from an official auteur. The insistence on sobriety is partly a testament to the (welcome) reverence with which cinema is treated here, but it can also be deadening. Certainly temperance can be off the mark with Mr. von Trier, a master of mixing seemingly inappropriate tones who can be truly hilarious (“The Kingdom”) when he’s not being a sadist.

If the laughs are slow to boil in “Antichrist,” it’s largely because of the ugly opener, in which the couple’s toddler falls out an upper-story window to his death. That’s a tough way for any movie to begin, but it’s especially unpleasant because the death has no meaning in and of itself and certainly no emotional resonance. Rather, it’s a narrative device, as evident from how the death, shown in slow motion, is crosscut with images of the couple making passionate love. From the way Mr. von Trier trains his camera on Ms. Gainsbourg’s open mouth, gaping in a pantomime of ecstasy, it’s also all too obvious that mother love is a kind of abyss, one into which everyone — child and husband included — are destined to tumble.

And tumble they do, as death leads to bereavement leads to psycho high jinks in the couple’s secluded cabin in the woods. As acorns fall like hail, and the trees stir portentously, maternal love grows monstrous and more and more interchangeable with Mother Nature. At one point one of the characters ominously refers to nature as Satan’s playground or some such, which sounds like a line from Woody Allen by way of Ingmar Bergman. By the time the animatronic fox warns the understandably baffled-looking Mr. Dafoe that “chaos reigns,” it’s clear we’re not in Kansas anymore or even a serious movie. Chaos reigns, if not narrative sense, but I would be lying if I didn’t admit that this impossible movie kept me hooked from start to finish.

Antichrist

La gripe ataca al cine

2009-05-20T21:17:00.002-04:00

Según leo en las noticias de México, debido a la gripe AH1N1 que apareció en todos los medios hace poco menos de un mes, muchas de las cintas que se iban a estrenar en estas semanas, han sido pospuestas, en algunos casos, en más de un mes! Entre ellas están Wolverine, Star Trek, Angeles y Demonios y ahora Terminator. Pues según dicen los diarios: "La intención de los estudios es impedir que la gripe reste lucimiento a los estrenos y les cueste dinero, ya que en caso de emergencia las autoridades podrían decretar el cierre de los cines e impedir la proyección de las películas que tendrían que volver a ser publicitadas después." Parece que ninguno de estos superhéroes se salva de la gripe.

El angel de combate: Alita

2009-05-20T18:05:00.003-04:00

Hace tiempo que no comento ningún anime ni mucho menos dibujo japonés. Así que he sacado de mi viejo cajón de recuerdos este anime que vale la pena rescatar del olvido.
Battle Angel Alita mejor conocido como Gunnm es originalmente un manga escrito de 1990 a 1995 por Yukito Kishiro.

La historia cuenta cómo, en un futuro post-apocalíptico, un científico Daisuke Ido encuentra entre los restos de la ciudad flotante de Salem a una pequeña robot Alita (originalmente Gally), quien al ser revivida ha perdido la memoria. Poco a poco, mientras se va adaptando a su vida en Jeru (la ciudad unida a la ciudad flotante), Alita se enterará que posee una fuerza extraordinaria y que no es una simple robot.

Las OVAS, o películas basadas en el manga, aparecieron en 1993 y cuenta únicamente los dos primeros capítulos de esta historia. Son dos cortos de aproximadamente 30 minutos cada uno: Rusty Angel y Tears Sign. Sin embargo, eso es suficiente para introducirnos a la trágica vida que rodea a los personajes condenados a vivir en Jeru y soñar con el paraíso perdido que la ciudad flotante de Salem, entre ellos el joven Yugo. La entrañable relación entre Alita y Yugo nos llevará sutilmente hasta los últimos minutos de este excelente manga. Aquí completo con subtíulos en español.

1. Rusty Angel

2. Rusty Angel

3. Rusty Angel

1. y Tears Sign.

2. y Tears Sign.

3. y Tears Sign.

Un golpe a la puerta: Let the right one in

2009-05-13T12:20:00.004-04:00

Seguro mucha gente recuerda a Kirsten Dunst en el papel de Claudia, la joven vampira de Entrevista con el Vampiro (1994). En esa película, nos damos cuenta de su tragedia: ella nunca podrá ser adulta, está condenada a vivir en el cuerpo de una niña los deseos de una mujer mayor. No puede cambiar, al menos no físicamente (en un momento Claudia se corta el pelo y dos segundos más tarde le vuelve a crecer para su propio terror). Eso la convierte, sin duda, en un personaje interesante que lamentablemente no tiene cabida en la historia principal. Es un vampiro demasiado joven (en todo el sentido) y debe morir.

Jóvenes vampiros no son muy comunes en el cine. Si bien hay películas sobre adolescentes como The Lost Boys y la última Twilight, estas se enfocan en la marginalidad por un lado, y en la aparición del deseo por otro, siempre en adolescentes.

Por esta razón la película Let the right one in (Låt den rätte komma in 2008) del director sueco Tomas Alfredson me ha llamado la atención, pues esta se enfoca en la relación entre dos pequeños niños: Oskar de 12 años y Eli, una niña extraña que acaba de mudarse al departamento de al lado. La película retrata los problemas del niño con un grupo de compañeros de escuela quienes siempre le paran pegando. Al mismo tiempo desarrolla una extraña amistad con Eli, una bella niña que tiene una super resistencia al frío y que no puede comer nada (que no sea sangre).

La peculiar relación entre ambos chicos, ambos sin padres presentes, en medio del frío hace que Oskar se enamore poco a poco de Eli. Mientras ya en el pueblo se sospecha de que algo extraño está matando a los vecinos del vecindario. Frente a esto, Eli decide huir pues ya no puede seguir quedándose ahí sin ser descubierta. Oskar, por su lado, tendrá que enfrentarse con los chicos del colegio, esta vez por última vez.

Let the right one in juega con la idea del permiso que necesitan los vampiros de otras personas para poder entrar en algún espacio: solo si se les invita pueden entrar. Basada en el libro del mismo nombre del autor John Ajvide Lindqvist, esta película deja de lado el pasado de personaje de Eli. Según leo, en la novela Eli, un vampiro de 200 años, fue castrado por un sádico vampiro mucho tiempo antes. Este detalle que aparece muy brevemente en la película (Oskar ve una suerte de vagina cocida) le da un halo de misterio que hace a la historia aún más interesante por aquello que no se cuenta sino que se muestra como si fuera un sueño.

Actualmente, se anda haciendo un remake de la película en Estados Unidos (con el fin de hacerla un mal blockbuster), pero vale la pena ver el tema de los vampiros esta vez en dos niños solos en una sociedad que no los comprende. Y claro, también por esa última escena en la piscina que muestra la fuerte relación que existe ahora entre Eli y Oskar.

Por último el trailer
y si lo quieren ver aquí el link de la parte 1

Trailer

Parte 1: subtítulos en inglés

Remota era la infancia

2009-05-08T17:39:00.002-04:00

Iván tiene 12 años. Ha perdido a su familia: los nazis los asesinaron. Es la Segunda Guerra Mundial y a su corta edad Iván ha aprendido que sus sueños se han convertido en pesadillas. Y que su infancia, aquella playa dorada donde corren junto a su hermana, aquella sonrisa de su madre semejante a un día de verano, se han convertido en el oscuro laberinto de su memoria.

Tarkovski dijo que no estaba satisfecho cuando terminó su película La Infancia de Iván (1962). Aún así, esta se llevó varios premios entre ellos el León de Oro del Festival de Venecia. Una de las más personales, la infancia de Iván es un recorrido por el espacio de la muerte que la guerra ha causado. Iván lo ha perdido todo, especialmente su niñez, retratada poéticamente en sus sueños (en el primero de ellos la cámara lo sigue en un travelling que anuncia su capacidad de volar). Pero la guerra le ha dado otra misión: vengar a sus padres, a su familia. Ganar la guerra es lo de menos. Esta situación va vaciando al niño de su inocencia y lo va convirtiendo en objeto muerto (como se aprecia en el último de sus sueños donde el árbol anuncia su actual presente.

Iván y uno de sus sueños

Iván y una de sus pesadillas

Iván y la guerra

La música de Wes Anderson

2009-04-14T15:55:00.003-04:00

Todas las películas de Wes Anderson pueden ser recordadas por sus excelentes banda sonoras. Pero sobre todo por cómo le agrega a esa música una imagen, una historia y finalmente un sello personal

Wes Anderson (1969)

I am waiting (The Rolling Stones)
Película: Rushmore

Making time (The Creation)
Película: Rushmore

Hey Jude (Los Beatles, interpretado por The Orquesta Mutato Muzika )
Película: The Royal Tenenbaums

"String Quartet In F Major (Segundo Movemiento) (Ravel Ysaye Quartet)
Película: The Royal Tenenbaums

These days (Nico)
Película: The Royal Tenenbaums

Changes (David Bowie, interpretado por Seu Jorge)
Película: The life aquatic with Steve Zissou

Queen Bitch (David Bowie, interpretado por Seu Jorge)
Película: The life aquatic with Steve Zissou

Staralfur (Sigur Ros)
Película: The life aquatic with Steve Zissou

This Time tomorrow (The Kinks)
Película: The Darjeeling limited

Play with Fire (The Rolling Stones)
Película: The Darjeeling limited

Noticias

2009-03-30T11:34:00.004-04:00

Reproduzco la noticia aparecida el día de hoy sobre la muerte de Maurice Jarre.

"Falleció el compositor Maurice Jarre

Él creó la música para películas como Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia y Pasaje a la India, entre otras producciones, y fue reconocido con tres premios Oscar. Murió en Los Ángeles a la edad de 84 años, víctima de cáncer.

Agencias/Perú21.pe. El compositor francés Maurice Jarre falleció el último jueves en la ciudad estadounidense de Los Ángeles a la edad de 84 años, víctima de cáncer.

Jarre compuso más de 160 partituras cinematográficas para grandes directores como John Frankenheimer, Alfred Hitchcock, John Huston o Luchino Visconti. La Academia de Hollywood lo reconoció con tres premios Oscar por la banda sonora de Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1965) y Pasaje a la India (1984).

Compuso su primera música de película en 1952 a petición del cineasta Georges Franju para el cortometraje “Hôtel des Invalides”. A mediados de los años sesenta se instaló en Estados Unidos, vivió luego en Suiza y de nuevo en Los Angeles.

Además, le puso melodía a producciones como El día más largo (1962), Jesús de Nazareth de Franco Zeffirelli (1976), Único testigo (1985) y La sociedad de los poetas muertos (1989), ambas bajo la dirección de Peter Weir.

El compositor había celebrado sus 50 años de carrera en 2006 con un concierto en el Auditorium de Lyon, su ciudad natal, que incluyó sus mejores obras, en presencia de su hijo, el músico Jean-Michel Jarre, un precursor de la música electrónica.

El compositor tuvo tres hijos: el músico Jean-Michel Jarre, la decoradora Stéphanie Jarre y el guionista Kevin Jarre.

El pasado mes de febrero, el festival de Berlín le otorgó un Oso de Oro por el conjunto de su carrera. Fue su última aparición pública en Europa."

Aquí un video, Jarre dirigiendo la música para Doctor Zhivago.

Un aguja en un pajar

2009-03-26T22:30:00.002-04:00

Aprovechando que la película The Royal Tenenbaums (2001), a mi gusto personal la mejor película de Wes Anderson, acaba de salir in The Criterion Collection, les dejo con la escena donde Richie Tenenbaum (interpretado por Luke Wilson) intenta suicidarse. La bella música Needle in the Hay es del desaparecido cantante natural de Portland (Oregon) Elliot Smith.

Aquí la escena.

Needle in the hay

Your hand on his arm
Haystack charm around your neck
Strung out and thin
Calling some friend, trying to cash some check
He's acting dumb
That's what you've come to expect

Needle in the hay

He's wearing your clothes
head down to toes, a reaction to you
You say you know what he did
But you idiot kid, you don't have a clue
Sometimes they just get caught in the eye, you're pulling him through

Needle in the hay

Now on the bus
Nearly touching this dirty retreat
Falling out 6th and powell, a dead sweat in my teeth
Gonna walk walk walk
Four more blocks, plus the one in my brain
Down downstairs to the man, he's gonna make it all okay
I can't beat myself
I can't beat myself
And I don't want to talk
I'm taking the cure
So I can be quiet wherever I want
So leave me alone
You ought to be proud that I'm getting good marks
Needle in the hay

De los poderes en el cine: Alan Badiou

2009-03-26T21:15:00.005-04:00

Copio un fragmento de la entrevista al crítico francés Alan Badiou que apareciera en el número 5 de la revista de estudios lacanianos The Sympton. Badiou conversa con Julia Goldenberg acerca del cine en relación al acto político. Para Badiou, si el cine llega a millones de personas, entonces hay que preguntarse por el planteamiento social y político que este impone. Puede leer toda la entrevista aquí.

JG: Hannah Arendt habla del fenómeno de "desolación", que es un fenómeno como de automatismo del ser humano inscripto en hechos sociales e históricos, es más complejo que esto pero en breve... Acaso la gran circulación del cine americano, por ejemplo, en el mundo, se encuentra ligado al fenómeno de desolación?

AB: Claro, claro. El cine es un arte que puede esta repleto de cosas mecánicas, estereotipos, repetición, imágenes no criticadas, entonces seguramente tiene una función en la desolación. Forma parte también del carácter desolado o desencantado del mundo contemporáneo. Y tiene también la posibilidad de luchar contra esto. Tiene la posibilidad de proponer, por el contrario, una imagen del mundo totalmente nueva. , una cosa que quiebre las repeticiones. Entonces lo que nos inquieta del cine son las extensiones de sus poderes. Cuando digo cine, digo mundo general de la ficción (inclusive la TV, naturalmente). Son poderes muy grandes. Simplemente hay un cine pensado, un cine que introduce otras tendencias. Entonces hay verdaderamente "poderes" en el cine.

Dead Souls: Joy Division en la mira

2009-03-25T18:03:00.003-04:00

Para mi Lis, en su oscuro cumpleaños

En abril 7 de 1980 Ian Curtis, fan de David Bowie, Joseph Conrad, William S. Burroughs, Franz Kakfa, Iggy Pop, Sex Pistols, además de ser cantante del grupo de Manchester Joy Division, intentó suicidarse por primera vez a través de una sobredosis de barbitúricos. Su primer intento no sería el último. Un mes después encontró lo que había intentado en abril. Ian Curtis se colgó de la cocina de su casa el 18 de mayo del mismo año.

Desde entonces, mucho se ha dicho sobre la legendaria banda compuesta además por Bernand Summer, Peter Hook y Stephen Morris. Joy Division, nombre tomado en referencia al lugar donde los soldados nazis violaban a la mujeres judías en los campos de concentración, utilizó esos espacios oscuros y cerrados de nuestra existencia para referirse a la soledad, la locura, el desamor, el encierro y la alienación. Una manera de aproximarse a la vida del cantante y del grupo es la película del fotógrafo y director de videos Anton Corbijn.
Corbijn ha dirigido muchos videos de rock que lo han consagrado como un renovador del lenguaje del video clip. Baste recordar videos como One de U2, Heart Shaped Box de Nirvana, Personal Jesus de Depeche Mode, All the things that I’ve done de The Killers, así como el póstumo Atmosphere de Joy Division. Igualmente ha creado la imagen emblemática para muchos grupos de rock. Véanse sino los siguientes videos.

Corbijn y el video para la sesión de fotos de The Joshua Tree de U2

Atmosphere por Joy Division (dirigido por Corbijn)

En Control (2007), Corbijn presenta una ciudad glamourosa, un grupo de chicos medio perdidos pero igual de cools, y una búsqueda del director por presentar ante todo un producto artístico impecable. Control muestra a un Ian Curtis como un personaje romántico, meditabundo y bastante melancólico. Esta mirada, si bien sigue confirmando a Corbijn como un realizador con muchísima solvencia, no le permite al director explicar las motivaciones por las que Curtis decide acabar con su vida. Pareciera que fuera solo por el desmoronamiento de su joven matrimonio con Debora Curtis en 1975. Al colocar un halo melancólico al personaje y al grupo, Corbijn cubre (deliberadamente o no) el lado oscuro de Joy Division.

Control

Otra película sobre el grupo es el documental Joy Division de Grant Gee, quien ya había dirigido el documental Meeting people is easy de Radiohead en 1997, así como videos musicales como No Surprises de Radiohead, de Shiver de Coldplay o Tender de Blur. Igualmente dirigió el concierto de Gorillaz Demon Days (2006) que contó con las apariciones en vivo de leyendas como Ike Turner así como de Dennis Hopper.

Demon Days (parte 1)

Joy Division de Gee no solo recoge las experiencias de los ex-integrantes del grupo, quienes a la muerte de su vocalista formarían New Order, sino que hace algo más interesante: reconstruye la época, la ciudad, los espacios de los jóvenes punks durante los últimos años de la década de los setenta. Así aparece Manchester, una de las cunas de la Revolución Industrial, uno de los lugares donde aparece la explotación por el trabajo, urbe que se ve transformada (entiéndase destruida eternamente) por las industrias algodoneras. Al mismo tiempo, Manchester es uno de los espacios donde el rock se dio con mayor fuerza. Grupos como Buzzcocks, The Smiths, Morrissey, Oasis, The Verve, Doves, James, entre otros tantos. Así, este documental entiende al grupo Joy Division en su contexto, en un espacio urbano de clase obrera sobre todo donde el rock de 4 chicos se fue formando por su experiencia con el punk para así formar un estilo de música más compleja, más oscura como los sentimientos de una generación a finales de los setenta.

Joy Division: Documentary (Parte 1)
Nota: Todas las partes en inglés en Utube

Vale la pena ver ambas películas porque ambas muestran la recreación desde el cine, desde el mito que es Joy Division en el caso de Control; y por otro lado, nos muestra a relación entre ciudad y rock que dieron lugar a esa oscura confesión que fue Joy Division.

Para terminar dos videos:

Transmission

Dead Souls

No vino del espacio exterior: la ciencia ficción

2009-03-24T18:50:00.002-04:00

El 30 de Octubre de 1938, los extraterrestres aterrizaron en la tierra. Específicamente en New Jersey. Cómo así, pues todo por obra y gracias de dos grandes: Orson Wells y H.G. Wells, y una ayudita de la radio CBS.

En el pedazo de documental de History Channel que pongo debajo, uno puede apreciar el efecto de la radio en las masas (que muchas personas aún ahora no toman en cuenta). Al mismo tiempo, el efecto de la ficción en los oyentes-espectadores- lectores. Muchos norteamericanos se creyeron toda la representación de Wells en la radio, es solo el momento de entre guerras el que puede explicarlo?

Es interesante, según este documental, que en cualquier caso, significó la aceptación de la ciencia como parte de la cultura de masas. Habría que especificar que no tanto de la ciencia, sino de los miedos de la sociedad norteamericana de poder ser destruidos por ese otro desconocido: marcianos o alemanes, o comunistas o arabes o latinos o etc. (la lista es extensa). La ciencia sería solo la base racional del miedo a ese otro que siempre agrede. El cine de ciencia ficción nace justamente a partir de esta idea.

Aquí el video y de paso una animación en flash de la adaptación en comic de LA GUERRA DE LOS MUNDOS.

LA GUERRA DE LOS MUNDOS.

El problema de ser muy literal

2009-03-14T20:30:00.002-04:00

Imagino que todos los interesados en ver Watchmen a esta altura ya la habrábn visto y sabrán que, efectivamente, no era tan buena. Y más bien un poco larga. Cuál es el problema, si, como todos esperaban, es una película fiel a su libro, a su origen. Pues, justamente eso. La fidelidad y devoción al texto pero no al espíritu fueron los que evitaron una mejor película, más cuestionadora de sus propios medios y de ser otra vez un blockbuster más.

Hay que tener en cuenta que libro no es igual que cine, que son dos lenguajes diferentes y por esta razón existen los adaptores de la obra a la pantalla grande. Si uno se acuerda bien, las pelas de Harry Potter son bastante simplonas (y ojo que yo solo he leido la primera de ellas, nunca podré ser tan fan, sorry fans), pero uno siente que a esas películas siempre les falta algo. La excepción, sin duda, es la tercera en versión de Alfonso Cuarón que sí entiende que una cosa es hablar con imágenes y la otra que el lector mismo le vaya colocando imágenes al texto. Watchmen, pensado así, es un doble reto porque ya viene con las imágenes (por lo que hasta cierto punto uno ya tiene parte de la imaginación usada por el escritor) y al mismo tiempo existe ese vacío que debe ser llenado al ser llevado al cine. La pregunta es qué llenar y mejor aún, que alterar para hacer la historia suya.

Cuando se empieza a ver Watchmen, los créditos muestran algo más que una copia: el comediante asesinando a Kennedy, o ver el Enola Gay con la figura de Silk Spectre como si fuera un aviso publicitario, o la foto de Alfred Eisenstaedt donde un marinero besa a una mujer en Times Square celebrando el día de la rendición de Japón en la Segunda Guerra Mundial esta vez alterada donde apreciamos a una de las superhéroes Silhouette besando a otra mujer, solo para que en una escena posterior se vean ambas asesinadas. Incluso cuando Dr. Manhattan empieza a asesinar a los vietnamitas, la Marcha de las Valquirias de Wagner nos recuerda, sin que haya la menor duda, a Apocalipsis Ahora y a todo la oscura historia narrada por ella. No obstante estos momentos, Znyder no los aprovecha para darles mayor profundidad a sus personajes o a la historia.

Igual quedarán en la memoria algunas escenas memorables, como mencioné las del inicio, el personaje de Rorschach y los efectos que ya nadie en estos tiempos puede dudar de los efectos pero sí de no saber contar una historia, por más que sea una adaptación.

A volver a leer el libro mejor.

Nota final: diga qué ve en los siguientes dibujos. No hay respuesta correcta, solo su conciencia.

6 de marzo

2009-03-05T19:19:00.003-05:00

Es el día que se estrenará Watchmen en todo el mundo. El conteo va terminando y ya van apareciendo las notas y reseñas en varias partes del mundo.

Aquí me manda mi novia una entrevista a Alan Moore hecha por el periodico The Phoenix que saliera en 1987. Aquí el link: Interview: Alan Moore writer of Watchmen

Coloco acá un extracto:

"You said earlier that you didn't really know what Watchmen was going to be until around issue number three. How detailed did you get before you embarked on the project?
Well, that's really one big difference between writing a novel and writing a comic: you can't revise. When we started we had some idea of the things that we'd be playing with. Like when we put the smily badge in the very first panel, I did know that it would be in the very last panel. The structure of the thing didn't become crystal clear until number three, when we began to realize all the possibilities when we brought in the parallel narrative of the pirate story. Because of the way I've always done comics, get it right the first time, I didn't have a problem working that way on Watchmen. There were things that we didn't know. I didn't know Rorschach was going to die when I started. It was only when I got to issue number four, and I knew what the resolution was going to be and I knew Rorschach's character to a much greater degree than when I started, and I thought, "He's not going to buy it [the moral compromise that climaxes issue number 11]. This is a character whose essence is that he doesn't compromise on anything. They'll have to kill him."

Aquí una nota del país que me envía mi amiga Isa. La nota en cuestión es una breve reseña sobre el libro Watching the Watchmen recientemente publicado en Estados Unidos donde se cuenta la creación de este libro-novela- comic y más.
Aquí el link: Los secretos de Watchmen.
Copio un pedazo:

"REFERENCIAS: Watchmen es una mina de referencias culturales, literarias, cinematográficas y musicales. Sería osado intentar una enumeración, pero se pueden comentar algunas para dar una idea del alcance de la tupida red hipertextual tejida por Moore. El título de cada episodio es una cita. Quizá el más popular sea el quinto, 'Aterradora simetría' (Fearful symmetry), que remite al poema The Tyger, del poeta y pintor decimonónico William Blake. El resto evocan el Antiguo Testamento, Friedrich Nietzsche, Carl Gustav Jung, Albert Einstein y Bob Dylan, entre otros. Luego están el cine Utopia, en el que se proyecta Ultimátum a la tierra, el concierto del grupo Pale Horse (nombre extraído del Antiguo Testamento) y su concierto Krystalnacht (que recuerda la noche de los cristales rotos, del 9 de noviembre de 1938, durante la que los nazis atacaron a la población judía, en un pogromo que dejó 90 muertos y miles de detenidos que luego serían deportados)... Tampoco se quedan atrás las citas musicales: You're my thrill, de Billie Holliday, Walking on the moon, de The Police, The times they are a-changin', de Bob Dylan... Y todas tienen su sentido dentro de la trama."

En la foto, Art Spiegelman y Alan Moore en un capitulo de los Simpsons

Además del mismo libro Watching the Watchmen, unos dibujos: Watch
Por último, desde tan lejos un saludo a mi hermano que mañana cumple años. Un abrazo y a ir al cine a ver que tal.

Cortos animados

2009-02-22T15:41:00.003-05:00

Hoy día es el Oscar. Para no hablar de todas las categorías o de quien podría y quien no va a ganar, les dejo acá con los cortos animados de esta noche.

Presto por Doug Sweetland

Lavatory/ Lovestory por Konstantin Bronzit

Oktopodi de Emud Mokhberi and Thierry Marchand

This way Up por Alan Smith and Adam Foulkes

La maison en Petits Cubes (Tsumiki no ie) por Kunio Kato

1

2

Bienvenidos a Gomorra

2009-02-21T23:38:00.003-05:00

Sobre Nápoles, Walter Benjamin dijo que era el resultado de “la pasión por la improvisación, que demanda que el espacio y la oportunidad sean preservados a cualquier precio. Los edificios son utilizados como un escenario popular. Todos están divididos en innumerables y simultáneos teatros animados. Balcones, jardines, ventanales, escaleras, techos son al mismo tiempo escenarios y también teatros” .

Con esto, Benjamin, quien procuró crear una tesis sobre la ciudad como espacio de representación y al mismo tiempo como espacio de deseo, presentó a Nápoles como el espacio poroso por excelencia. Es decir, el espacio donde los límites entre edificios, arquitectura, masa y relaciones sociales se volvían borrosos y no era posible distinguir con claridad donde terminaba un lugar y donde empezaba otro. Combinemos esta idea de lo borroso y de lo poroso dentro de un film que ha despertado la atención del público y el reconocimiento de la crítica. Sí, nos referimos a Gomorra.

Esta película narra la historia de 5 personas cuyas vidas, de alguna u otra manera, se verán mezcladas con la Camorra o la mafia italiana de Nápoles. La crítica ya ha afirmado la crudeza y realismo con el que se presentan las escenas de películas. No estamos frente a un cine glamoroso como el presentado en El Padrino, donde hay ofertas que no se pueden rechazar, ni mucho menos a la camaradería de Buenos Muchachos de Scorcese. No, en Gomorra lo que se presenta es otra forma de funcionar de la mafia italiana. Siendo una parte silenciosa del sistema, la Camorra se extiende como un negocio que no solo involucra drogas o armas, sino confección de ropa, prostitución, etc. No es un único grupo sino que abarca más de 150 clanes y aproximadamente 70 mil miembros. ¿Dónde están y quiénes son? Eso, señores, no lo sabe nadie.

Pero volviendo a la película, basada en el libro del mismo nombre escrito por Roberto Saviano, la película muestra que la mafia no es algo que el cine pueda recrear como un ideal. Al contrario, Saviano afirma que es más bien la realidad, la de esta mafia, la que copia al cine: se hacen casas como las de Tony Montana en Caracortada, o citan sus frases. Esto ya se veía en la serie Los Sopranos, donde citar a los personajes de las películas era parte de la idiosincracia de la mafia neoyorquina (como aquella de Michael Corleone en el Padrino III: "Justo cuando pensaba que estaba afuera.. me jalaron hacia adentro"). Esta situación, que puede parecer tan extraña, tiene como nota anecdótica un hecho más: uno de los mafiosos quiso aparecer en el film y, a pesar de que era peligroso pues la policía podría tener su rostro y relacionarlo con algunos crímenes, el mafioso en cuestión se lanzó al estrellato. 5 minutos de fama le costaron un ticket a la cárcel. Solo por aparecer en el siempre borroso y poroso espacio del cine y de la realidad.

Nota:
Pueden ver los primeros tres minutos aquí.
cita: Benjamin, Walter. “Naples”. Selected Writings, Volume 1, 1913-1926.

Trailer
Dirigida por Matteo Garrone
Musica: Massive Attack

Otra escena:

Historias del Buque Negro

2009-02-21T23:08:00.002-05:00

Efectivamente, en Utube ya se encuentra el trailer de Tales of the Black Freighter, el comic dentro del comic Watchmen, que también ha sido llevado a la pantalla como animación por Warner Brothers.

La historia se centra en Adrian Veidt, un pirata que, luego de ser atacado por el Black Freighter, busca regresar a su casa para advertirles de la llegada de este carguero pirata a punto de atacarlos. Tendrá que hacer mil y un malabares para poder llegar a casa, entre ellas, usar de bote el cuerpo de sus compañeros muertos. Sin duda, una historia oscura que sirve de contrapunto a la línea argumental principal de Watchmen.

Esta historia, sin embargo, no se verá en los cines sino que irá directo al DVD en marzo. Pero, como para sacar más dinero, 4 meses luego del estreno de Watchmen, saldrá el DVD que juntará ambas películas en una sola. ¿Por qué no lo estrenaron todo como un solo material? Por que la película dura 157 minutos y aumentarle más era salirle del presupuesto. Entonces, ¿cuál es el producto final? ¿La película sin la animación o la versión en DVD? ¿Cómo se verá todo esto al final? Nadie lo sabe. Cosas del mercado.

Igual, ahí va el trailer. Con la voz, por cierto, de Gerald Butler.

En el hoyo

2009-02-12T21:57:00.004-05:00

"Ay mis compañeros, petroleros mexicanos
no crean que no extraño el olor a óleo puro
pero es que yo pienso que nosotros los humanos, no necesitamos, más hidrocarburos"
CAFE TACUBA

Hace ya más de una década que escuché la canción de los Café Tacuba “Trópico de Cáncer” del disco Re. La canción trata sobre un hombre llamado Salvador que deja su lugar de trabajo porque ya no quiere saber nada de construir y construir en la ciudad. Salvador es considerado “el salvador de la humanidad” pues es el puente entre “el salvajismo y el modernismo”. Salvador renuncia a que se siga cementando el mundo para que todos aprendan a vivir en la ciudad. Esa canción me venía a la mente cuando ayer encontré en utube el documental de Juan Carlos Rulfo.

En el hoyo (2006) es un documental que sigue la vida de los trabajadores encargados de construir y terminar el segundo piso del periférico de la ciudad de México. Una obra que duró más de 5 años en construirse y que implicó la construcción de una super carretera de más de 22 kilómetros.

Cuando terminé de ver el documental, me quedé impresionado. Por qué? Todo el tiempo el documental se centra en los trabajadores, en sus problemas, en sus carencias, en su trabajo día a día para terminar algo que casi nunca se ve. Vemos a la gente quejándose del periférico, del tráfico, las creencias de algunos de los trabajadores (como esa de las columnas de la carretera piden siempre que una persona muera para que su alma sostenga la construcción), pero el monstruo que se está haciendo solo aparece al final.

Rulfo, hijo del famoso escritor Juan Rulfo, nos trata de mostrar el lado más humano de ese pedazo de cemento y de acero que es la ciudad, aun cuando en muchos momentos se note que Rulfo no pertenece a ese mundo y que su mirada les sea extraña a los mismo trabajadores.

¿Tiene esta carretera y su construcción un fin? No pregunto un objetivo sino ¿algún día se acabará este “deseo de construcción / destrucción” que cantaban los tacubos hace ya más de diez años? Como bien dice uno de los trabajadores del documental “el trabajo no se va acabar, el que se va acabar es uno.”

Les dejo acá tres videos. El primero es un trailer para televisión. El segundo es un extracto.
Y prepáranse para el tercero. Pues ahí verán de qué se habla cuando se habla de 22 kilómetros de carretera.

En el hoyo (2006)

En el hoyo (2006)

En el hoyo (2006)

de regalo:

Atrapado en el invierno

2009-02-01T09:28:00.004-05:00

Ha pasado mucho tiempo desde nuestro último post (cosas de la vida). Pero acá trataremos de ponerlos al día desde hoy Febrero. Mientras vamos pensando en nuestro próximo post, les dejamos esta excelente comedia: Groundhoung day que en español le pusieron Hechizo del tiempo o Atrapado en el tiempo.

La historia es muy simple, el siempre genial Bill Murray está atrapado en el mismo día, el 2 de febrero, día de la Marmota y está obligado a vivirlo una y otra vez hasta dar con la verdadera respuesta. (Tal vez a eso se refería Joyce cuando escribió: La historia es un pesadilla del cuando no puedo despertar). Todo esto sucede en el buen pueblo de Punxsutawney, en Pensilvania. Bueno, sin más rollo les dejo dos escenas para que se diviertan si es que andan atrapados con la nieve y el invierno.

Nota: en el periódico leo que la bendita marmota vio su sombra lo que predice 6 semanas más de invierno. En fin.

Groundhoung day
Dirigido por Harold Ramis
con: Bill Murray y Andie Macdowell

Invasion 101

2009-01-15T12:23:00.005-05:00

"El más grande enemigo del saber no es la ignorancia; sino la ilusión de saber"
Stephen Hawking

Luego de varias semanas (que no hemos estado de vacaciones), regresamos a este blog a ponernos al día. Visto que el 2008 terminó con una lluvia de bombas, y con el mundo ampliamente consternado por el ataque de Israel a Palestina, uno se queda pensando si los supuestos países del primer mundo todavía pueden creer en igualdad y respeto para con el otro. No podemos entrar en detalles, en este espacio al menos, sobre una guerra que ya escapa a la comprensión del mundo (y a la de este pequeño comentador).

Por esta misma razón, les dejo con uno de los documentales más interesantes y premiados Occupation 101: Voices of the Silenced Majority (del 2006, acá el link) dirigido por Sufyan Omeish y Abdallah Omeish. Este documental de 90 minutos se centra en las relaciones entre ambos países así como el lento y largo proceso por parte de Israel de extender su territorio (su sueño de ir desde el Mar Mediterráneo hasta el Río Jordan). Cuando uno observa bien, se da cuenta de que este problema es finalmente un problema de colonización semejante a los llevados a cabo durante el Siglo XIX. Recomendamos el video y acá los dejamos con el trailer y la primera parte (todo está en Youtube, veánlo antes de que lo saque la censura del mundo democrático).

Para saber de qué estamos hablando.

Ganador de los siguientes premios

Premio "Palma de Oro" y premio a "Mejor Edición" el 2007 en el festival Internacional de Cine de Beverly Hills
Ganador del premio 'Artivist' por mejor película bajo la categoría de Derechos Humanos el 2006 en el Festival de Cine 'Artivist' de Hollywood.
Mejor Documental el 2007 en el festival Internacional de Cine sobre Derechos Humanos de New Orleans.
Mejor Película el 2006 Festival de Cine de River's Edge.
Mejor Documental el2006 Festival.de Cine "The Dead Center".
Mejor Documental el 2006 Festival de Cine East Lansing.
Ganador del premio 'John Michaels Memorial' el 2006 Festival de Cine "Big Muddy".

Aquí el Trailer

PARTE 1

Una historia de navidad

2008-12-24T14:55:00.008-05:00

Una tarde en Diciembre de 1895, Antoine Lumiere, para quien la fotografía era la única forma de entender el universo, entró en la oficina del prestidigitador George Melies en el teatro Robert-Houdini en Paris. Era un día especialmente soleado para ser invierno. Lumiere siempre había sido un tipo raro, extravagante, que trabajaba con aquellas placas que detenian el tiempo y el espacio porque así también operaba la memoria. Esa tarde que entró a la oficina de Mélies, Lumiere arrojó sobre su mesa una extraña invitación: "No te pierdas la magia."

Melies que conocía bien a Antoine se quedó extrañado, él que era difícil de asombrar. Cuando leyó la invitación se enteró de que Lumiere estaba dirigiendo el nuevo negocio de sus hijos Louis y Auguste: "Lumiere Cinematographe". Pero qué era eso?

3 días después de Navidad, eL 28 de diciembre de 1895, Melies llegó temprano. No había mucha gente. La prensa que había sido convocada no se apareció. La entrada costaba 1 franco pero Melies, un hombre díficil de engañar, supo cómo entrar sin pagar. No por nada era un mago. Sentado frente a una gran pantalla que conocía porque ahí se proyectaban fotos desde hace ya varios años, Melies se sintió un poco, tal vez, digamos, sorprendido. Pero no dijo nada. De repente una gran foto estática de una puerta cerrada apareció frente en la pantalla. Melies pensó para sí: "Nos han invitado a ver fotos? Pero sí yo he estado haciendo esto más de 10 años."

Apenas dejó de pensar, cuando la puerta se abrió de repente y miles de personas comenzaron a salir simultanéamente (esta palabra le sonó rara en su mente). Mujeres, niños, un perro, hombres, trabajadores sin duda de una fábrica, las pocas personas de la sala se quedaron en silencio mientras una tras otra foto cobraba vida ahí enfrente de ellos. Melies, que era un gran prestidigitador, contemplaba enmudecido otra realidad silenciosa, que sus ojos trataban de captar en todo su esplendor.

Cuando Melies salió de la pequeña sala, pensó si todo lo que había estado haciendo antes no era más que un engaño. El, que era un gran prestidigitador, sabía que no había mejor truco que el que los hermanos Lumiere acababan de lograr. Recordó cada una de aquellas escenas que había visto, como si mirara su propia vida. Y mientras se alejaba se le ocurrió que esto era solo el principio.

El principio de otro universo.

Si yo tuviera Capital

2008-12-18T14:40:00.002-05:00

Más noticias: Ya que andamos poniendo muchas noticias holywoodenses, hay que poner algo más interesante.

'El Capital', de Marx, salta a la pequeña pantalla

Fuente: El País

El Capital, de Karl Marx, que no llegó a filmar Sergei Eisenstein ha resucitado en formato DVD y de la mano del cineasta Alexander Kluge, que retomó la idea del cineasta ruso en una producción que con casi diez horas de duración que ha logrado un inusitado éxito de público, contagiado por la revisión de la obra del pensador del Manifiesto Comunista. Nachrichten aus der ideologischen Antike. Marx, Einsenstein, Das Kapital-Noticias de antigüedades ideológicas. Marx, Einsenstein, El Capital- es el título del DVD, lanzado por la prestigiosa editorial Suhrkamp a finales de noviembre.

Su aparición ha merecido elogios de periódicos ideológicamente dispares como el eco-izquierdista Die Tagezeitung, el conservador Frankfurter Allgemeine Zeitung, además del Süddeutsche Zeitung, prototipos estos últimos de la prensa seria alemana. En cuestión de semanas la primera edición se agotó y Suhrkamp prepara ya una segunda tirada, de volumen "lógicamente modesto, aunque meritorio", según fuentes de la editorial, puesto que se parte de la base que se trata de un público minoritario.

Se trata de 3 DVD con un total de 570 minutos, en que Kluge trata de retomar algo que Eisenstein se propuso filmar en vida, El Capital, pero no logró hacer por razones económicas. Al director de El acorazado Potemkin se le agotaron los recursos y ahora a Kluge, autor de culto en Alemania, se le ocurrió recuperarlo en un formato que permite a su público saborear el conjunto a su gusto, buscando la pieza de su interés.

Maratón de Kluge

Kluge, autor de filmes como Deutschland im Herbst -"Alemania en otoño-, sobre el terrorismo de la Fracción del Ejército Rojo (RAF) y con aportaciones de Rainer Werner Fassbinder y Volker Schlöndorff y Premio Büchner en 2003, ha asumido la tarea a modo de ensayo. Discípulo de Adorno y con 77 años, su trabajo tiene dimensiones maratonianas y en él plasma las opiniones del filósofo Peter Sloterdijk y el director de cine Tom Tykwer, así como la biógrafa de Eisenstein Oksana Bilgakova, entre otros.

También incorpora algún que otro elemento humorístico, como la intervención del cabaretista Helge Schneider, en el papel de compositor de la música del Capital para el realizador soviético. O un grupo de hombres de neanderthal leyendo a Marx. "No pretendo resucitar a Marx. Mi título habla de antigüedades y de eso se trata: de hablar de tú a tú con alguien nacido en 1818, Marx, y con quien en 1927 planeó filmar El Capital, Eisenstein", explicó Kluge, al diario Neue Zürchner Zeitung.

Vuelta a Marx en tiempos de crisis

El éxito del DVD se explica, admiten en Suhrkamp, por un efecto contagio a todo lo que rodea a la figura y obra de Marx en estos tiempos de crisis y de agotamiento del capitalismo. La editorial había elegido a Kluge para abrir una serie de elite en formato DVD, a la que seguirán otros ambiciosos programas sobre figuras como Bertolt Brecht, Samuel Beckett y Thomas Bernhard. El ensayo fílmico de Marx era una especie de trabajo experimental, a modo de globo sonda, que funcionó como catapulta.

Kluge no pretende resucitar a Marx, pero desde hace unos meses las ediciones de El Capital se venden como hacía décadas que no ocurría, para solaz de su editor berlinés, Kart-Dietz-Verlag. Asimismo contagiado por el éxito resultó el libro del arzobispo de Múnich y Freising, Reinhard Marx, que apoyado en su apellido ha convertido en éxito su propio volumen titulado El Capital, donde asimismo arremetía contra el capitalismo salvaje, sólo que desde la perspectiva religiosa.

Todo esto ocurre cuando Alemania se prepara para conmemorar, el próximo año, el vigésimo aniversario del desmoronamiento del bloque comunista y la Caída del Muro de Berlín, el 9 de noviembre de 1989. En lugar del entierro en toda regla del autor del Manifiesto, por el momento hay una revisión, cuando menos teórica, de su pensamiento."

Wolverine ORIGEN

2008-12-18T14:29:00.003-05:00

Ya que se acaba de estrenar el nuevo trailer de X-Men Origins en las salas norteamericanas, les dejo aca una entrevista que se le hiciera en la convención de comics 2008 en San Diego, California. De paso verán al culpable de tanto héroe de Marvel que en los últimos años han sido llevados al cine: Stan Lee.

Y claro cómo no, el trailer:

Noticias: Gatubela

2008-12-18T14:21:00.002-05:00

Rachel Weisz podría ser 'Gatúbela' en la próxima cinta de Batman

Fuente Peru 21
La actriz británica ganadora de un premio Óscar, Rachel Weisz ( El jardinero fiel ) interpretaría a la ‘Gatúbela’ en la secuela de The Dark Knight , sostiene el periódico.

En el papel de ‘Robin’, supuestamente, se contrató al joven Shia LaBeouf ( Indiana Jones ). El malvado ‘Riddler’ sería encarnado por el cómico Eddie Murphy y en el papel protagónico de ‘Bruce Wayne’, alias ‘Batman’, repetiría Christian Bale. El veterano Michael Caine volvería a encarnar a su mayordomo ‘Alfred’.

En The Dark Knight , el fallecido Heath Ledger interpreta al antagonista, ‘Joker’ o ‘Guasón’, papel por el que fue nominado póstumamente a los Globos de Oro.

La secuela lleva por ahora el título provisorio de Gotham y se estrenará en 2010.

Pregúntale a Alicia (o a Tim Burton)

2008-11-28T16:59:00.003-05:00

Mientras saltaba de una página a otra en internet descubro el nuevo proyecto de uno de los directores más entrañables y distintos dentro del cineo comtemporáneo. A sus 50 años, Tim Burton anda ahora filmando su última película Alice in Wonderland o Alicia en el país de las maravillas que será estrenada todavía en el 2010.

Como siempre, Burton ha elegido para este nuevo proyecto a varios de sus actores usuales. La lista a continuación:

Mia Wasikowska como Alicia
Johnny Depp como El sombrerero Loco
Helena Bonham Carter como la Reina Roja
Anne Hathaway como la Reina Blanca
Michael Sheen como el gato de Cheshire
Alan Rickman como la Oruga
Matt Lucas como Tweedledum y Tweedledee
Crispin Glover como el Caballero de corazones

La escogida para el papel protagónico esta vez es Mia Wasikowska, la actriz australiana de 18 años, proveniente de la televisión sobre todo, que dentro de poco se podrá ver en dos papeles secundarios en las películas Amelia (sobre Amelia Earhart, 2008) y Defiance (con Daniel Craig alias James Bond).

En 1865, Lewis Carroll publicó una pequeña novela dedicada para la niña Alice Liddell. Desde entonces, Alice in Wonderland siguió un largo camino influenciando a diferentes escritores, directores, creadores de video juegos, poetas, pintores etc. Mientras esperamos a Burton, veamos algunas de estas versiones.

Alice in Wonderland (1903)
Dirigida por Cecil Hepworth

Alice in Wonderland (1933)
Dirigida por Norman Z. McLeod

Alice in Wonderland (1951)
Producida por Walt Disney

Alice (1988)
Dirigida por Jan Švankmajer
Esta es, a mi opinión, una de las mejores adaptaciones de Alicia, no por ser fidedigna sino por ser original.

Alice in Wonderland (1999)
Dirigida por Nick Willing

The Prestige

2008-11-28T14:49:00.003-05:00

De la banda sonora de The Prestige (2006), Thom Yorke toca Analyse de su album The Eraser.

El hombre de arena

2008-11-17T20:00:00.003-05:00

Cuando llegué por primera vez a Estados Unidos, lo primero que compré fue un comic The Sandman de Neil Gaiman. Este es una de las mejores novelas gráficas que he leído en mi vida. Su lectura me llevó a buscar en la literatura la historia original. Entonces descubrí el cuento del mismo nombre de E.T. A. Hoffman. Aunque ambas historias tienen desarrollos diferentes (la de Gaiman es un viaje por la pesadilla y sueño hacia el final del siglo XX y
la de Hoffman un cuento sobre la imposibilidad de construir la mujer perfecta al estilo Metrópolis), siguen contruyendo un mito que no se ha agotado. Eso me permitió encontrar un corto animado de 1991 de Paul Berry llamado, como no, The Sandman.

La animación presenta el mito original: el hombre de arena vive en la luna, y es un tipo con rasgos de ave y del astro celeste que sale en la noches para arrojarles arena a los niños en los ojos para después arrancárselos. Berry, entonces, presenta la historia de una manera sencilla y clásica: un niño temeroso será la víctima del Sandman.

La animación tiene el encanto de presentar propiamente un cuento para niños al estilo gótico, es decir, como un cuento de hadas. Aquí no hay malos ni buenos, solo personajes que funcionan como estereotipos. El sandman aparece primero como una figura de terror, diabólica y al mismo tiempo juguetona. El niño es el mismo sujeto inocente que se va a dormir pero que sabe que ese mismo hecho puede significar algo más. Y efectivamente así lo es.

Mucho se ha dicho que dormir es morir (un poco, mucho, nada). Berry, quien también trabajó para Burton y ayudó en la animaciones de The nightmare before Christmas (o El extraño mundo de Jack ) dio vida con este corto a un nuevo tipo de animación, difícil de hacer en ese tiempo pues no había las computadoras de ahora y por eso mayor mérito, que sutilmente nos muestra el miedo debajo de las sábanas. Un excelente trabajo de un animador muerto tempranamente (2000).

NOTA: El video ya lo sacaron de Youtube. les pongo otra direccion para que lo vean porque vale la pena. AQUI

The Sandman
Dirigido por Paul Berry

Watchmen nuevo trailer

2008-11-16T17:10:00.003-05:00

El día Viernes 14 se estrenó la película de James Bond Quantum of Solace. Con ella, se estrenó el segundo trailer de Watchmen. Esta vez con la canción Take a bow de Muse como fondo. Sin más, acá el esperado segundo trailer.

Buscando respuestas del Gran Más Allá: R.E.M.

2008-11-15T12:33:00.002-05:00

Aprovechando la gira de R.E.M por Latinoamerica presentando su último disco Accelerate (2008), les pongo este magistral video. The Great Beyond es una de las canciones nuevas que el grupo de Georgia compuso para la película sobre Andy Kaufman: Man on the Moon (1999) dirigida por Milos Forman.

El video que fue dirigido por Liz Friedlander, directora de videos pop sobre todo, da en el clavo con The Great Beyond al mostrar al grupo encerrado dentro de la televisión, es decir dentro de la media, del éxito. R.E.M. siempre más que eso, y este video muestra que su música anda más allá de los parámetros de lo considerado lo comercial. Una excelente manera de romper la cuarta pared.

R.EM.: The Great Beyond

Letras:

I've watched the stars fall silent from your eyes
All the sights that I have seen
I cant believe that I believed I wished
That you could see
There's a new planet in the solar system
There's nothing up my sleeve

(chorus 1)
I'm pushing an elephant up the stairs
I'm tossing up punchlines that were never there
Over my shoulder a piano falls
Crashing to the ground

And all this talk of time
Talk is fine
And I dont want to stay around
Why cant we pantomime, just close our eyes
And sleep sweet dreams
Being here with wings on our feet

(repeat chorus 1)

(chorus 2)
I'm breaking through
I'm bending spoons
I'm keeping flowers in full bloom
I'm looking for answers from the great beyond

I want the hummingbirds, the dancing bears
Sweetest dreams of you
Look into the stars
Look into the moon

(repeat chorus 1)

(repeat chorus 2 2x)

I'm breaking through
I'm bending spoons
I'm keeping flowers in full bloom
I'm looking for answers from the great, answers from the great
I'm breaking through
I'm bending spoons
I'm keeping flowers in full bloom
I'm looking for answers from the great, answers from the great, answers.

10 años conociendo gente

2008-11-09T13:13:00.005-05:00

En noviembre de 1998 salió en el Reino Unido uno de los videos más extraños y raros en los que a documentales sobre rock han salido (incluyendo This is Spinal Tap). Meeting people is easy presenta justamente todo lo opuesto. Grant Gee, el director, sigue a Radiohead mientras van grabando Ok Computer (1997), disco que definitivamente catapultó a la banda liderada por Thom Yorke, así como el tour que le siguió y los premios que van ganando y recibiendo a lo largo de ese 1997-1998. No, este documental no está hecho para mostrar la grandeza y la felicidad de una banda de rock que toca el cielo. Por el contrario, Meeting people is easy devela el lado más angustiante de una banda.

El documental muestra un Radiohead peleando contra la fama, contra los críticos, y contra ellos mismos. Si bien la composición de Ok Computer los consagró como una vertiente renovadora del rock (semejante a la de Pink Floyd por ejemplo), eso significó para la banda un gran desgaste. Un ejemplo concreto de esta ambigüedad frente al éxito la fama y los fans se muestra en un concierto en Glastonbury. Mientras tocan las luces están casi apagadas. En un descanso, Yorke pide que enciendan las luces y enfoquen al público. La escena es aplastante: miles de fans (Yorke dice que incluso ve fogatas a los lejos) sobrecogen a los integrantes de Radiohead.

Tal vez esta otra escena sea más clara sobre la sobreexposición del grupo a la fama:

Volver a ver este documental muestra el punto de partida de Radiohead para sus futuros proyectos léase Kid A, Anmesiac o In Rainbows así como el disco solista de Thom Yorke The Eraser. Para muestra un boton: aquí una primera versión de Nude en ese entonces Nude (Big Ideas).

Sin duda un dvd que vale la pena volver a ver (Todo el video está en utube por cierto). Los dejo con Palo Alto, video sacado del mismo documental.

Nota: leo hoy en las noticias que Radiohead irá a Argentina, Chile y Mexico el siguiente año como parte de su gira por Sudamérica. Leer mas acá. La gira empezará el 27 de marzo del 2009 en Santiago. Provecho!

Old boy por Spielberg?

2008-11-08T11:26:00.003-05:00

Reproduzco la noticia tal cual salió en el Clarín el día de ayer viernes 7 de Noviembre.

El director y el actor de "Hombres de negro" planean hacer una remake del violento thriller "Oldboy". Sería la primera vez que trabajan juntos.

Por: Por Diego Lerer

OLDBOY, EL ORIGINAL. Imagen del violento thriller coreano, dirigido por Park Chan-wook.

Según anunció la revista "Variety", el director de "Tiburón" y el actor de "Soy leyenda" se reunirían para hacer una remake del violento thriller coreano "Oldboy", dirigido por Park Chan-wook. La película original de 2003, premiada en Cannes y estrenada en la Argentina, trata sobre un hombre que, tras estar 15 años encerrado en una celda sin explicación, sale de allí con ansias de venganza. Pero no sabe que le esperan aún más sorpresas.

El filme podría hacerse luego de "Tintin", cuyo primer episodio será dirigido por el propio Spielberg. La comunidad cinéfila de fanáticos del cine de acción asiático está enfurecida con la idea de que se rehaga lo que muchos consideran un clásico del género. Sin embargo, como pasó con Martin Scorsese y "Los infiltrados --su remake del policial de Hong Kong "Infernal Affairs" que le permitió ganar por primera vez el Oscar a mejor película y director--, acaso Spielberg esté pensando que sea una buena decisión para darle nuevos aires a su carrera.

Sería la primera vez que Spielberg y Will Smith trabajan juntos. Los dos son garantía de éxito.

Remember remember, the fifth of November

2008-11-06T12:17:00.002-05:00

Porque ese día amaneció diferente para Estados Unidos pues Barack Obama fue declarado presidente de los Estados Unidos.

40 años de La noche de los muertos vivientes

2008-11-02T12:45:00.002-05:00

Cuando uno piensa en cine de terror, solo piensa en ver algo que lo asuste. Y eso suele ser todo. Uno no esperaría que el cine de terror-horror tenga algo más ahí escondido, por ejemplo, un punto de vista político. Pero sí, muchas películas de terror han servido para hacer una crítica al sistema político- económico- social en el que vivimos. Una de ellas, sin duda, es toda la saga de Los muertos vivientes creada por el genial George Romero.

Trailer 1 La noche de los muertos vivientes (1968),

Romero ha dirigido cinco películas sobre estos muchachos que no quieren descansar en paz. A saber: La noche de los muertos vivientes (1968), El amanecer de los muertos vivientes (1978), El día de los muertos vivientes (1985), La tierra de los muertos vivientes (2005) y finalmente El Diario de los Muertos (2008). Por qué esa necesidad de darle vida al cuerpo inanimado?

Romero no da razón alguna para explicar el regreso de los muertos al mundo de los vivos. Zizek, uno de nuestros teóricos favoritos y fan de Romero, diría que los muertos regresan porque no han sido "correctamente" enterrados (como lo reprimido que vuelve una y otra vez). Es decir que aún tiene unfinished business acá con algún vivo. Pero más allá de ver las razones mismas del regreso fijémonos en lo que sucede cuando regresan.

En la primera película de la saga, es el espacio claustrofóbico de la casa el ideal para crear la historia y el suspenso de la película. El héroe será Ben (Duane Jones), un joven negro al que la crítica de su momento se refirió como "un negro calmado y con recursos". Aquí es donde la decisión del director es importante. Romero no escoge un personaje cualquiera para su película sino un actor que cuestiona al sistema. Ben es un hombre negro y los muertos son los otros. Quiénes? Los blancos, el vecino desconocido que vive al lado de tu casa. Nada que pueda dar miedo que ese vecino. (Sobre este punto les recomiendo volver a ver cualquier película norteamericana sobre todo y fíjense que el vecino es siempre un sujeto extraño.) Para 1968, año de protestas, año significativo mundialmente, la decisión de Romero para una simple película de terror se vuelve la manera de criticar a la sociedad contemporánea.

En su segunda película, El amanecer de los muertos vivientes (que también cumple 30 años), los muertos (inconcientemente?) empiezan a actuar como si recordaran su vida de vivos: van al centro comercial. Obviamente no a comprar, pero pareciera que algún rezago de su vida pasada quedara en ellos. La analogía no puede ser más obvia. Miles de zombies son los que se lanzan a los Malls, sin raciocinio, solo con la idea de gastar. Quiénes son acá los vivos y quiénes los muertos? Como dato extra, en el remake del 2004 dirigido por Zack Snyder (el mismo de 300 y de Watchmen) se puede ver en los extras del DVD cómo el mapa de los Estados Unidos se torna de color rojo por la invasión de zombies. Si uno se acuerda del año, 2004, que cambie a rojo es solo una no tan velada sugerencia a lo que sucede en los States ese año donde todo el país terminó apoyando el segundo mandato de George W. Bush. Todo el mundo se convirtió en zombie.

Trailer 2: El amanecer de los muertos vivientes (1978)

Finalmente, en La tierra de los muertos (2005), Romero muestra lo que sucede muchos años luego de la aparición de los muertos. Algunos sobrevivientes viven en una suerte de ciudad defendida de los muertos gracias a unos soldados. Dentro de la ciudad, está el gran edificio donde viven los poderosos millonarios, sobretodo Paul Kauffman (Dennis Hopper) quien, como el Gran Hermano, protege a la ciudad del terrror exterior mientras que el pueblo muere de hambre (alguien notó la semejanza?). Los zombies, atraídos por la luz del gran rascacielos, se dirigen a la ciudad de la mano de Big Daddy, también un zombie negro que ha empezado a razonar. En el contexto político del momento, puede ser visionaria la película de Romero. Big Daddy es el encargado de destruir el viejo régimen de la socieadad. Su sueño en la película es simplemente vivir en paz como aquellos seres vivos que buscan ir al norte, donde no haya ser humano ni zombie del que preocuparse.

Trailer 3 La tierra de los muertos (2005)

Romero, sin duda, es un cineasta que a apartir de un cine considerado menor, ha logrado crear pequeñas metáforas del mundo contemporáneo. Pero claro, sólo son películas para darnos miedo. Mucho miedo.

La balada de Pumpkinhead

2008-11-01T20:46:00.002-04:00

Hace muchísimos años, cuando la televisión peruana no tenía nada que pasar (dicho sea de paso eso no ha cambiado mucho que digamos), lo único que uno podía ver era esas películas de terror (algunas bastante malas) que daban en el canal 2 (o era eso o era ver las películas del Shaolin que daban en el otro canal). Es indudable que ese era el cine al que uno podía acceder cuando se era joven. Podría dar todo este espacio para analizar cómo ese cine (muchas de segunda de Estados Unidos y algunas con ningún valor) formaron (o forman) el gusto de miles de peruanos, y estoy seguro, de millones de latinoamericanos. Pero considero que el tema es bastante amplio como para desarrollarlo en un espacio tan pequeño. Espero presentar ese tema en otro momento.

Por ahora, ya que aún , seguimos en el día de los muertos, las brujas, la canción criolla y demás, hablemos un poco de Pumpkinhead (1988). Esta era una de esa pelas malas que ponían en la televisión peruana. Pero a los años, y cuando uno puede volver a mirar este cine, encuentra varios detalles y temas en la pelicula. La historia se basa en este poema:

Keep away from Pumpkinhead,
Unless you're tired of living,
His enemies are mostly dead,
He's mean and unforgiving,
Laugh at him and you're undone,
But in some dreadful fashion,
Vengeance, he considers fun,
And plans it with a passion,
Time will not erase or blot,
A plot that he has brewing,
It's when you think that he's forgot,
He'll conjure your undoing,
Bolted doors and windows barred,
Guard dogs prowling in the yard,
Won't protect you in your bed,
Nothing will, from Pumpkinhead

Y en la adaptación, nuevamente aparece el lugar rural estadounidense. La muerte accidental del hijo por unos excursionistas invita al padre (interpretado por Lance Henriksen ahí en la foto) a buscar ayuda a este mostruoso ser ávido de venganza. Es interesante notar que el enemigo en la película no es realmente el monstruo sino el foráneo: aquel que perturba y altera el tranquilo espacio del campo. Son entonces las fuerzas de la naturaleza (en la figura del monstruo) quien los hace pagar. En gran espacio desconocido (la nada) es el espacio por excelencia donde viven los monstruos tanto en el cine como en la literatura. Piensen nomás en Alien (el espacio mismo desconocido), entre otros.

Sin más, acá el trailer y las 10 partes (en inglés nomás) por si les llama la atención verla.

Parte 1, Parte 2, Parte 3, Parte 4, Parte 5, Parte 6, Parte 7, Parte 8, Parte 9, Parte 10

Trailer

I am pain: Puerta al Infierno

2008-11-01T13:55:00.003-04:00

Ya que andamos en Halloween, que la verdad nunca he celebrado, sigamos usándolo de excusa para hablar de algunas películas de terror. Una de esas es Hellraiser (o en español Puerta al Infierno 1987). Dirigido por Clive Barker, esta película debe ser su mejor aporte al cine de terror-horror-sadomasoquismo-gore-etc. Puerta al Infierno juega con una premisa simple: hay una caja que se si abre, abre la puerta a otro mundo (que, ojo, no es el infierno) donde se puede experimentar el placer y dolor como experienciasmás allá de la misma carne y de esas mismas categorías (no, no hay sexo en esta película).

Lo interesante es que la caja, ese caja de pandora, no es un objeto del mundo occidental, sino que proviene del mundo árabe. Originalmente es comprada en un mercado en Marruecos. Este elemento no es nuevo. Si uno relee cuentos como "La pata de mono" (The Monkey's Paw, 1902) de W. W. Jacobs, la pata es un elemento que proviene de la India. Al igual que la caja, la pata de mono puede conceder que los deseos se hagan realidad. La diferencia es que en el cuento de Jacobs, una familia necesita sobre todo dinero y tiene 3 deseos. En el caso de Hellraiser no existe problema económico alguno: es puro deseo más allá de la carne. Como se dice en un momento en que el personaje busca el deseo carnal, lo que recibirá es algo más allá de solamente el placer: "Destrozaremos tu alma en pedazos"). En ambos, el Oriente es el que trae el objeto que posibilita el otro mundo (ciertamente una mirada exótica del oriente).

Tal vez Hellraiser haya envejecido un poco (por eso andan haciendo un remake), pero sus innovaciones en efectos y su tema muestran los alcances del cine de horror, menospreciado ciertamente. Creo que los trailers de las dos primeras películas hablan por sí solos.

Trailer Hellraiser 1

Trailer Hellraiser 2

Aquellos chicos perdidos

2008-11-01T13:42:00.004-04:00

Uno a veces se pregunta quienes eran esos "chicos perdidos" de la tierra de Nunca Jamás de la novela de J. M. BARRY Peter Pan. En 1987, Joel Schumacher dirigió The Lost Boys y juntó dos venas inéditas hasta el momento: los chicos marginales y las historias de vampiros (mucho antes de Entrevista con el Vampiro). Resultado, una película de muy buena factura. Unos jovencísimos Kiefer Sutherland, Corey Haim y Jason Patric hacen la parte de estos nuevos chicos perdidos. Aquí el trailer y una canción del film: People are strange actualizado por Echo and the Bunnymen.

Trailer

People are Strange por Echo and the Bunnymen

En este Halloween: Sweets to the sweet!

2008-10-23T18:56:00.003-04:00

Ya que andamos cerca de Halloween, pensaba en porqué no comentar algunas películas de terror (no sé si las mejores, pero al menos algunas). A ver, empecemos pues no?

Ayer en la noche veía una película aparecida en 1992 e inspirada en una de las historias del escritor de terror y más Clive Barker (si les interesa la historia se llama The Forbidden o Lo prohibido). Bueno, en resumen, Candyman trata de una chica, Helen, investiga unos asesinatos en un barrio pobre de Chicago (en Cabrini-Green un project donde las bandas gobiernan, es decir una tierra de nadie, la misma tierra de donde salio el último Jocker). Los pobladores creen que todo es culpa del Candyman, un sujeto negro muerto violentamente en el siglo pasado (por enamorarse de una mujer blanca y embarazarla le cortaron la mano con una plancha de metal, le pusieron miel en todo el cuerpo y le soltaron abejas hambrientas, si eso no es racismo no sé entonces qué será). Como Helen en cuestión, (Virginia Madsen quien también trabajó y ganó un Oscar por su participación en Sideways o Entre Copas) no cree en el mito llama a Candyman (tiene que decir su nombre 5 veces frente al espejo, como sucede mucho en los mitos estadounidenses). Y efectivamente aparece pues Candyman interpretado por Tony Todd (quien ha actuado en miles de películas de terror o parecidas como El cuervo, el remake de La noche de los muertos vivientes de 1990, todas las sagas de Final Destination entre más).

¿Es buena Candyman? No. Al menos no como yo esperaba. La película demora demasiado en desarrollar una trama sencilla. Lo que sí es interesante es la presentación del barrio de Cabrini de Chicago como una prolongación de esa marginación en la que viven (vivían) los negros y que ha desembocado en la violencia urbana de las bandas.

Otro punto interesante es que ese espacio de Chicago es presentado como si fuera la boca del infierno o la entrada a un mundo de violencia infinita (que para el caso es lo mismo). La imagen que aparece dibujada en el grafitti de la pared, Candyman con la boca abierta, se conjuga con Helen atravesando un cuarto a través de la boca del mismo graffiti. Para llegar al otro lado, siempre hay que atravesar por la boca de la locura.

Otro punto interesante es el del deseo. Para que Candyman aparezca hay que llamarlo 5 veces (no, 3 no son suficientes) y además hay que creer en él. Eso es importante pues en la película lo que siempre se recalca es la necesidad de ser inmortal. Y cómo así? Pues solo matando gente y volviendose un mito urbano. He ahí el poder real del sujeto.

No los invito a verla si quieren asustarse (para eso hay otras), pero sí los invito si les interesa ver cómo eran esas viejas películas de terror. Dato: toda la película está en Utube con subtítulos en español.

Nota dos: el soundtrack sí que es muy bueno. Y por eso les recomiendo que chequeen la Parte 12 qeu es el final de la película con los subtitulos porque ahí pueden escuchar el tema principal de la película que vale.

Aca los links: Parte 1 Parte 2 Parte 3 Parte 4 Parte 5 Parte 6 Parte 7 Parte 8 Parte 9 Parte 10 Parte 11 Parte 12

Candyman
Dirigida por:
Con: Virginia Madsen y Tony Todd

Trailer

Quién le teme a la oscuridad?

2008-10-19T01:16:00.002-04:00

5 pequeños cortos: un chico conoce a la chica equivocada, personas desaparecen de una pequeã comunidad sin dejar rastro, una niña japonesa tiene pesadillas que no la dejan dormir tranquilamente, y un hombre que no descansa por algo que habita en su casa.

Estas 5 animaciones llegan a Estados Unidos está semana con el apoyo de IFC films. El título Fear(s) of the Dark (Peur(s) du noir) presenta a 5 directores que en animación en blanco y negro buscan reformular el terror y el horror y la animación en el cine. Estos, todos metidos en el diseño gráfico, en la ilustración o en el vasto mundo de la novela gráfica se unieron para dar forma a este interesante proyecto.

Los directores a saber son
Blutch, Charles Burns (creador de la novela gráfica Black Hole), Marie Caillou, Pierre di Sciullo, Lorenzo Mattotti Y Richard McGuire. Si la pueden conseguir (pues es del año pasado pero por aca recién ha llegado) véanla pues en este Halloween, se ve interesante.

Les dejo dos de los trailers que encontré en utube.

Trailer 1

Trailer 2

La última mujer de Martel

2008-10-18T00:06:00.006-04:00

El último lunes 13 de Octubre la cineasta argentina Lucrecia Martel estuvo en Boston presentando su última película La Mujer sin cabeza. En esta película se acerca más a su primera La Cienaga y se aleja de algunos ambiciones que pretendía en La niña santa.

Sencilla y bien dirigida, La mujer sin cabeza muestra una dirección actoral y un manejo de cámaras perfectos que hacen de esta película una muestra del nuevo cine latinoamericano y de sus nuevas búsquedas, alejadas de Hollywood y demás. Como mencionó esa noche: "Yo no hago películas para concursar o ganar premios en Cannes o demás. A mí me interesa (en estas tres películas) hablarle a la gente de Salta (lugar donde se centran sus filmes). Cuando alguien me dice que se siente conectado, eso me sigue sorprendiendo".

Acá una entrevista que salió en utube:

Welcome to the Dark City

2008-10-06T22:46:00.004-04:00

Y ya que andamos en la onda soundtrack, les pongo esta canción de la película Dark City. Esta película es considerada una de las predecesoras de Matrix, tanto en temática como en estilo. Incluso, los escenarios que se hicieron para esta película se utilizaron en la primera parte de Matrix. De qué va? Si les cuento les arruino la historia pues (es de esas películas que si te la cuento te la arruino).

Oscurísima, Dark City (que no es Ciudad Gótica) muestra una urbe condenada a vivir en las tinieblas donde un hombre trata de recordar su pasado. Por qué no se acuerda? Ah, eso se lo dejo a quien quiera buscarla. Chequeanla si les gusta la ciencia ficción. Aquí el trailer y Jennifer Connelly les cantará algo.

Trailer

Jennifer

Qué verde era mi valle

2008-10-06T22:33:00.003-04:00

Hace tiempo que quería postear algo sobre esta película. Y la verdad que explicarla y comentarla me tomaría varios posts pues es una película entrañable (a mi gusto la mejor película de Hayao Miyazaki).

Nausicaa del Valle del viento de 1984 (風の谷のナウシカ Kaze no tani no Naushika) me hace recordar a mi infancia. Pues fue por allá un lejano 198... que pude ver esta película en Perú. Claro recortada y mal doblada pero que dejaba ver la magia de un cineasta en ese tiempo totalmente desconocido para mí.

Más que hablarles de la película, disfruten de la Orquesta Sinfónica de Hong Kong interpretando el soundtrack de la película. Imprescindible. A 24 años de su realización.

Parte 1

Parte 2

No hay peor ciego...

2008-10-06T22:27:00.002-04:00

Reproduzco la noticia tal cual querido internauta. Acaso todo hay que tomarlo a lo literal?

La Federación Nacional de Ciegos (NFB), la mayor organización de invidentes de EEUU, anunció hoy movilizaciones contra la película "Blindness" el día de su estreno, por considerar que retrata a su colectivo como depravados. El filme, que llegará a los cines estadounidenses este viernes, está basado en el famoso libro "Ensayo sobre la ceguera" (1995) del escritor portugués José Saramago, premio Nobel de Literatura en 1998, y relata el caos que se produciría en la sociedad si todo el mundo se quedará ciego de repente.

La película fue dirigida por el brasileño Fernando Meirelles (City of God, 2002) y sigue fielmente la trama planteada por Saramago, que pretende generar una reflexión sobre los patrones de comportamiento y la moral del ser humano, y como se verían trastocados en una situación límite. El enfoque de esta historia, sin embargo, ha causado el rechazo frontal de la NFB en vísperas de que debute en las carteleras de Estados Unidos.

"Los invidentes aparecen en el filme como incompetentes, sucios, viciosos y depravados. Son incapaces de hacer las cosas más simples como vestirse, lavarse y encontrar el baño. La verdad es que la gente ciega normalmente hace las mismas cosas que los que pueden ver", dijo Marc Maurer, presidente de la NFB en un comunicado. El máximo representante de esta federación aseguró que su organización "condena y deplora" la película y convocó a sus miembros a protestar ante las 75 salas donde se estrenará el filme el viernes.

"Mostrar a los ciegos en las pantallas estadounidenses poco mejor que si fuesen animales, reforzará temores infundados y estereotipos en el gran público sobre la ceguera", indicó Maurer, para quien "Blindness" contribuirá a incrementar la tasa de desempleo entre los invidentes, que actualmente afecta al 70 por ciento del colectivo. No es la primera vez que la industria del cine utiliza la ceguera en sus guiones, aunque para Maurer en esta ocasión ni siquiera se trata de una comedia, sino que genera "miedo y repulsión".

Para la NFB es un "escándalo" que la distribuidora Miramax, subsidiaria del grupo Walt Disney, represente a los ciegos de esta forma e "incluso explique que se trata de una alegoría o un comentario social". Miramax se limitó a hacer publica su "tristeza" ante la movilización convocada por la NFB, e insistió en un comunicado que durante la producción de la película se trabajó para preservar la línea marcada por la novela de Saramago, "una parábola sobre el triunfo del espíritu humano cuando la civilización se viene abajo".

Nuevos Discursos en el cine Actual

2008-09-30T14:21:00.003-04:00

Mi amigo y escritor Franco Cavagnaro estará dando en Perú una conferencia sobre Cine Contemporáneo: Nuevos Discursos en el cine Actual. Se llevará a cabo todos los viernes de Octubre en el Cultural Peruano Británico de Miraflores- Lima, a las 7 y 30 de la noche.
Las películas que discutirá son:

JSA de Park Chan-Wook

La vida de los otros de Florian Henckel

Tropa de Elite de José Padilla

The Kite Runner de Marc Foster

Va la invitación.

Un artista del trapecio

2008-09-29T23:25:00.003-04:00

Hace unas semana pude ver el documental Man On Wire, que narra la vida de Philipe Petit quien en 1974 subió a las Torres Gemelas con el propósito de ¡caminar sobre una cuerda tendida entre ambas a más de 400 metros de altura! El “coup” como se le llamó a este “atentado” es narrado de una manera maravillosa en todo el documental. Divertido y genial y al mismo tiempo meláncolico pues tremenda hazaña (o locura que es igual) cambió la vida de sus protagonistas así como las de aquellos que observaron a este equilibrista obsesionado cruzar 8 veces de la torre norte a la sur durante 45 minutos.

El documental, que no comenta nada de la futura destrucción de las torres, juega con la idea de atentado cultural y le saca la vuelta al ataque terrorista del 2001. Por ratos me acordaba de esa historia de Kafka “Un artista del trapecio” donde un trapecista no podía bajar de su cuerda pues esa era su vida. Petit, el hombre detrás de este atentado, tenía la misma obsesión. Como bien menciona en un momento, esas torres estaban hechas para que él las trepara. Y magistralemente.

Man On Wire (2008)
Dirigido por James Marsh

Quién chequea a los guachimanes?

2008-09-24T22:40:00.003-04:00

"At midnight, all the agents and superhuman crew, go out and round up everyone who knows more than they do."
Bob Dylan

Ahora que efectivamente Estados Unidos ha reconocido que ha entrado a una crisis financiera inevitable (hace unos minutos, Jorgito Bush acaba de dar su mensaje a la nación prometiendo una inversión de 700 billones de dólares para tratar de parar la obvia recesión sino el desastre del famoso Imperio), uno se pregunta. ¿Y ahora? ¿Era verdad que el desastre del capitalismo empezara a ver algún día el fin?

Estuve pensando si alguna película podría evidenciar mejor este tema que yo hablando de economía. Sin duda, el cine norteamericano ha mostrado grandes proezas en destruir su país (sobretodo de si Nueva York se trata). Ahí está Día de la Independencia, La guerra de los Mundos, Cloverfield, Armagedón, por citar solo algunas. Pero al mismo tiempo ha habido esa proliferación de superhéroes que prometen salvar este condenado mundo (léase Estados Unidos casi siempre). Batman, X-Men, Superman returns, Los 4 fantásticos y muchos más han renacido desde los cómics para hacerse un espacio en el cine contemporáneo y ver, muchos ingenuamente, si es posible hacer del mundo un lugar mejor. Pero claro, ninguno se tenía que enfrentar a un hecho tan simple: la caída del capitalismo o como volverse pobre de la noche a la mañana.

Por este motivo, muchos (incluido quien habla) tiene en la mira la tan anunciada película Watchmen, que en español se le ha denominado Los Vigilantes (aunque Los Guachimanes en peruano tiene una sonoridad genial). Alan Moore, el escritor detrás de este cómic genial (no hay otra palabra), ha comentado que Watchmen no se puede llevar a la pantalla pues lo que él quiso hacer es justamente lo opuesto. Es decir, un cómic que presentara una historia a partir de sus propios recursos y no con el lenguaje cinematográfico o el literario. Watchmen es justamente eso: una novela gráfica que explota y al mismo tiempo escapa de sus propios parámetros.

Como sé que muchos no han podido leer el cómic, no les comentaré mucho sobre él para no aguarles la trama. Pero sí me gustaría señalar que Watchmen es esa novela que al usar a los superhéroes como elemento protagónico, les da una giro de 180 grados pues estos no son los héroes de un mundo llamémosle justo, pacífico y honesto sino todo lo contrario. Y por este motivo, estos superhéroes no lo son tanto sino más bien una suerte de polícias del Estado. ¿Es eso suficiente para interesarlos en la película y en la novela? Así espero.

Como final, les pongo estos videos que encontré en You Tube y que alguien, usando el mismo libro, ha llevado todo el primer capítulo a la animación. Véanlo pues es realmente bueno.

Watchmen, la animación
Episodio 1

Episodio 2

Episodio 3

Por último, quien mejor que el dueño para hablar de su propia obra.

Alan Moore lee Watchmen